TEMA 7: MODELOS DE ENSEÑANZA

Escrito por lourdesgh 02-07-2009 en General. Comentarios (1)

 

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(Con respecto al esquema, al no verse bien, he creído conveniente grabarselo en un CD para que pueda verlo mejor.) 

 

 

 

 

Tema 7: Modelos de enseñanza.

 

            Hay muchos modelos de enseñanza para la Educación Artística. Vamos a exponer las cuatro más comunes. Son diferentes y dan lugar a aprendizajes diferentes.

 

Antes de exponerlos, hay que decir que la Educación Artística no es ser un genio en el dibujo, es aprender a dibujar.

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            Tampoco es hacer trabajos manuales simplemente, ya que también tiene teoría. Si la convertimos en una clase de manualidades, entonces será manual.

 

 

        -> Pasemos a explicar los modelos.

  • Modelo A. Educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

 

            Este modelo se puede resumir en “aprender a dibujar y aprender destrezas para ello”.

Surgió en el siglo XVIII. Se aprende a través de copias o con procesos matemáticos. Esto no quiere decir que ahora no se necesite, ya que el dibujo técnico, por ejemplo, es imprescindible hoy en día, pero no para darlo en Primaria.             

Entonces, ¿qué nos interesa de este modelo? Utilizar materiales para que el alumno lleve un proceso adecuado; enseñar a los alumnos a dibujar tradicionalmente, ya que a los alumnos de entre 10 y 12 años tienen interés por ello; y por último, introducir  hábitos de orden en el pensamiento.

Pero claro, este modelo, al ser muy antiguo, también tiene muchos problemas como pueden ser:

-         Está obsoleto. El 99% de las imágenes no se crean dibujando. Hoy en día la mayoría de las imágenes se crean a través del ordenador, de cámaras de fotos, etc. y estos conocimientos hay que introducirlos en las escuelas.

-         El objetivo de la Educación Artística no tiene por qué ser hacer cosas bonitas, lo que tiene que ser es pulcro y bien acabado. Además, lo bonito es muy relativo, para una persona le puede parecer bonita una imagen y para otra resultarle una barbaridad.

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  • Modelo B. Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

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Este modelo surgió en el siglo XX y se basa en la autoexpresión. Tuvo una importancia después de la II Guerra Mundial. De este modelo podemos sacar en positivo que los niños se pueden expresar y pueden reflexionar. Interesa la creatividad. Para expresarse no hay técnicas de dibujo.

Los pintores de esta época van a cambiar la pintura sin parar.

Este modelo se basa en el mito de Van Gogh y en el descubrimiento del dibujo infantil.

Pero como todos los mitos, este también tiene su parte falsa. Van Gogh era torpe, pero un genio. Tardó muchos años en dibujar bien y tuvo que practicar muchísimo. Con respecto a los dibujos de los niños, estos no son espontáneos, muchas veces sus dibujos son copias de los adultos.

 

En conclusión, este modelo está basado en falsedades.

 

No hay ningún interés en que los niños dibujen como niños. Además, si los niños dibujan libre y espontáneamente,¿ para qué sirve el profesor?

Los artistas no nacen, se hacen. Por eso el profesor debe estar ahí para enseñarles a los niños todo lo que deben saber. También hay que decir, que la creatividad no se crea del vacío, sino como solución de algún problema, por lo que el profesor debe estar ahí para plantearle a los alumnos interrogantes para hacerles pensar y reflexionar, ya que todo el mundo tiene creatividad, solo hay que potenciarla.

 

De este modelo, podemos aprovechar la posibilidad de invitar a los alumnos a ser creativos, expresivos. También podemos enseñarles a los alumnos a narrar, es importante que estos cuenten sus  propias historias. Los niños, en Educación Artística también tienen zona de desarrollo próximo, y con la ayuda de este modelo, podemos descubrir en qué nivel están. Además de todo esto, hay que enseñarles a mirar con atención y a que se acostumbren a familiarizarse con las obras de arte.

 

  • Modelo C. Educación Artística para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual.

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            Este modelo plantea que la Educación Artística tiene que ser importante para los alumnos.

El profesor que sigue este modelo, no pretende que el alumno lea las imágenes, sino que las comprenda. Promueve que el niño busque su propia información y que la manipule.

Para comprender el mundo de lo visual hay que aprender a crear y a hacer lo visual. Lo importante no es saber dibujar, sino saber utilizar el dibujo.

Este modelo es el modelo más crítico. Aporta a los alumnos autonomía, hace que piensen por sí solos y que busquen maneras de comprender y de explicar la realidad.

Este modelo está presente en muchos trabajos que se pueden hacer con los alumnos, como debatir sobre el poder de las imágenes y la función que cumplen; como plantearles la pregunta de por qué y para qué existen las imágenes, qué fin tienen, etc.

Se puede decir que es el modelo más completo y el más adecuado para seguir, pero sin olvidarnos nunca de los matices que los otros pueden aportar a una clase de Educación Artística.

 

 

 

 

CAPITULO II. EL DIBUJO INFANTIL.

 

 

 

  1. Introducción.

 

     Dibujar, y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños en las escuelas, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, tienen mucha importancia en la Educación Artística.

Algunos hechos que han llamado la atención sobre el dibujo infantil pueden ser: que los niños, antes de cumplir dos años, comienzan a dibujar de forma espontánea y natural; los dibujos presentan unas características propias claramente distintivas, que parecen construir un tipo de “estilo artístico”; la mayoría, son muy llamativos por la espontaneidad, frescura, libertad, armonía y claridad con la que son capaces de resolver los motivos y escenas más complejas;  a medida que los niños crecen sus dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose cada vez más elocuentes y elaborados; al concluir la infancia, a (diez años), el interés, la seguridad, la destreza y la espontaneidad que habían manifestado hasta entonces los niños en sus dibujos y pinturas, se difuminan e incluso desaparecen.

Los dibujos infantiles han construido un poderoso foco de interés para muchos de los principales artistas del siglo XX.

 

  1. Índice temático y objetivos de aprendizaje.

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-         Objetivos de aprendizaje:

·        Reconocer y distinguir las principales características de los dibujos espontáneos infantiles.

·        Relacionar las diferentes teorías e interpretaciones sobre los dibujos infantiles.

·        Interpretar adecuadamente los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos.

·        Valorar las interrelaciones de los enfoques interdisciplinares sobre el arte infantil.

·        Comparar los diferentes enfoques educativos sobre la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

  1. Contenidos.

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3.1          El dibujo y el arte infantil: ¿cómo dibujan las niñas y los niños?

 

No hay dos personas que dibujen de la misma e idéntica manera. Las imágenes que dibujan los niños presentan, en conjunto, unos rasgos y formas características que los distinguen con toda claridad de otros grupos o tipos de imágenes.

En el ámbito escolar, los niños hacen ejercicios siguiendo las indicaciones del profesor, o las pautas que indican sus fichas de trabajo o sus manuales y libros para colorear, que poco o nada tienen  que ver con el dibujo infantil.

El dibujo y el arte infantil lo construyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismos, tal y como ellos mismos son, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a su modo propio de dibujar.

Los estudios e investigaciones se interesaron por determinar cuáles eran los rasgos definitorios y característicos de ese lenguaje visual. Estos rasgos son:

  • El principio de la aplicación múltiple consiste en utilizar una figura simple y representar una gran variedad de objetos o partes del cuerpo humano.
  • El principio de la línea de base. Es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan a sostienen los personajes.
  • El principio de la perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base donde se apoya es perfectamente perpendicular.
  • El principio de la importancia del tamaño. Las figuras humanas tienen que tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
  • El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Para representar un conjunto de elementos similares.
  • El principio del imperativo territorial. En el dibujo infantil es muy raro que aparezcan ocultamientos o superposiciones.
  • El principio del abatimiento. Los elementos eminentemente verticales serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales aparecerán “a vista de pájaro”.
  • El principio de simultaneidad. Cada parte de la figura se dibujará de acuerdo con el punto de vista que más se aproxime a esa parte.
  • El principio de visión de RAYOS X, con el que se dibuja todo los que sea necesario describir explícitamente en la imagen.

 

3.2. ¿Qué dibujan las niñas y niños? Trazos y figuras más frecuentes en el dibujo espontáneo infantil.

Durante los primeros años, poco después de haber cumplido un año, hasta que cumplen tres o cuatro años, cuando comienzan a ser claramente reconocibles las figuras que han dibujado, aparece un amplio conjunto de marcas, trazos, o garabatos.

 

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Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos que es posible distinguir o reconocer en los dibujos infantiles.

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Después de la figura humana, el sol es la figura más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes y las flores aparecen junto a las personas y el sol, también muy frecuentemente.

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3.3. ¿Cómo cambian con las edades los dibujos infantiles?

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. En los dibujos de los más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de 6 o 7 años cada línea y cada color está representando siempre algún elemento o detalle.

  • · Los estudios evolutivos durante los años finales del siglo XIX  y primera mitad del siglo XX. Jame Sully distinguía tres fases: el garabato como juego, el dibujo de figura humana y adquisición de una técnica. Hernán Lukens propuso cuatro etapas: los niños se interesa por el resultado de su gesto, el niño se interesa por el resultado de su dibujo, nace un sentido crítico y el niño consigue valores expresivos en su dibujo.  En 1921, C. Burt, propuso una clasificación en siete etapas o periodos, algunos de ellos subdivididos, a su vez, en varias secuencias:

 1. Garabateo (2-3 años)

2. Línea (4 años)

3. Simbolismo descriptivo (5-6 años)

4. Realismo (7-9/10 años)

5. Realismo Visual (10-11 años)

6. Represión (11-14 años)

7. Renacimiento artístico (después de los 14 años

 

- La clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld

 Justo en los años centrales del siglo XX, Viktor Lowenfeld, publicó la clasificación de etapas del desarrollo del dibujo infantil. Lowenfeld articuló seis etapas o períodos en el desarrollo del dibujo espontáneo infantil. 

1. Garabateo (2-4 años)

2. Preesquemática (4-7)

3. Esquemática (7-9 años)

4. Principio del realismo (9-11 años)

5. Seudorrealista (11-13 años)

6. Decisión (13-17 años)

- El dibujo y el arte infantil

 La mayoría de los dibujos infantiles no son representaciones de escenas estáticas, sino que constituyen narraciones gráficas de acontecimientos complejos, tales como batallas, fiestas, juegos, etc.

Duncum ha propuesto un esquema de diez tipos o categorías para clasificar las formas o estrategias narrativas que utilizan las niñas y niños en sus dibujos espontáneos, que son las siguientes:

·        Acción Narrativa: Los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o secuencia de acontecimientos.

·        Acción Física: Esta es una categoría problemática que necesitas mayor estudio y análisis, tal y como el propio investigador reconoce. Se trata de dibujos que forman parte de una acción o juego más amplio, que puede haber sido originado por el propio dibujo.

·        Superposición: Aspectos sucesivos de la acción se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo. El ejemplo típico es el de los dibujos de batallas de los niños que normalmente acaban en una explosión.

·        Repetición: En estos dibujos hay partes de la escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo.

·        Yuxtaposición: El personaje o elemento principal de la acción se dibuja una sola vez.

·        Evento Gráfico: Consiste en escenas en las que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.

·        Evento Secuencia: La escena dibujada corresponde a un momento de una secuencia más amplia.

·        Evento Simultáneo: En un solo dibujo aparecen claramente múltiples eventos, que están relacionados en el espacio pero que no se desarrollan en el tiempo.

·        Objetos Separados: En este caso toda una secuencia narrativa se halla representada por un solo elemento, figura o personaje.

·        Tira de Cómic: Esta modalidad corresponde a la estrategia habitual de los tebeos en los que la historia se narra a través de sucesivas viñetas.