educación artística

TEMA 7: MODELOS DE ENSEÑANZA

Escrito por lourdesgh 02-07-2009 en General. Comentarios (1)

 

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(Con respecto al esquema, al no verse bien, he creído conveniente grabarselo en un CD para que pueda verlo mejor.) 

 

 

 

 

Tema 7: Modelos de enseñanza.

 

            Hay muchos modelos de enseñanza para la Educación Artística. Vamos a exponer las cuatro más comunes. Son diferentes y dan lugar a aprendizajes diferentes.

 

Antes de exponerlos, hay que decir que la Educación Artística no es ser un genio en el dibujo, es aprender a dibujar.

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            Tampoco es hacer trabajos manuales simplemente, ya que también tiene teoría. Si la convertimos en una clase de manualidades, entonces será manual.

 

 

        -> Pasemos a explicar los modelos.

  • Modelo A. Educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

 

            Este modelo se puede resumir en “aprender a dibujar y aprender destrezas para ello”.

Surgió en el siglo XVIII. Se aprende a través de copias o con procesos matemáticos. Esto no quiere decir que ahora no se necesite, ya que el dibujo técnico, por ejemplo, es imprescindible hoy en día, pero no para darlo en Primaria.             

Entonces, ¿qué nos interesa de este modelo? Utilizar materiales para que el alumno lleve un proceso adecuado; enseñar a los alumnos a dibujar tradicionalmente, ya que a los alumnos de entre 10 y 12 años tienen interés por ello; y por último, introducir  hábitos de orden en el pensamiento.

Pero claro, este modelo, al ser muy antiguo, también tiene muchos problemas como pueden ser:

-         Está obsoleto. El 99% de las imágenes no se crean dibujando. Hoy en día la mayoría de las imágenes se crean a través del ordenador, de cámaras de fotos, etc. y estos conocimientos hay que introducirlos en las escuelas.

-         El objetivo de la Educación Artística no tiene por qué ser hacer cosas bonitas, lo que tiene que ser es pulcro y bien acabado. Además, lo bonito es muy relativo, para una persona le puede parecer bonita una imagen y para otra resultarle una barbaridad.

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  • Modelo B. Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

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Este modelo surgió en el siglo XX y se basa en la autoexpresión. Tuvo una importancia después de la II Guerra Mundial. De este modelo podemos sacar en positivo que los niños se pueden expresar y pueden reflexionar. Interesa la creatividad. Para expresarse no hay técnicas de dibujo.

Los pintores de esta época van a cambiar la pintura sin parar.

Este modelo se basa en el mito de Van Gogh y en el descubrimiento del dibujo infantil.

Pero como todos los mitos, este también tiene su parte falsa. Van Gogh era torpe, pero un genio. Tardó muchos años en dibujar bien y tuvo que practicar muchísimo. Con respecto a los dibujos de los niños, estos no son espontáneos, muchas veces sus dibujos son copias de los adultos.

 

En conclusión, este modelo está basado en falsedades.

 

No hay ningún interés en que los niños dibujen como niños. Además, si los niños dibujan libre y espontáneamente,¿ para qué sirve el profesor?

Los artistas no nacen, se hacen. Por eso el profesor debe estar ahí para enseñarles a los niños todo lo que deben saber. También hay que decir, que la creatividad no se crea del vacío, sino como solución de algún problema, por lo que el profesor debe estar ahí para plantearle a los alumnos interrogantes para hacerles pensar y reflexionar, ya que todo el mundo tiene creatividad, solo hay que potenciarla.

 

De este modelo, podemos aprovechar la posibilidad de invitar a los alumnos a ser creativos, expresivos. También podemos enseñarles a los alumnos a narrar, es importante que estos cuenten sus  propias historias. Los niños, en Educación Artística también tienen zona de desarrollo próximo, y con la ayuda de este modelo, podemos descubrir en qué nivel están. Además de todo esto, hay que enseñarles a mirar con atención y a que se acostumbren a familiarizarse con las obras de arte.

 

  • Modelo C. Educación Artística para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual.

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            Este modelo plantea que la Educación Artística tiene que ser importante para los alumnos.

El profesor que sigue este modelo, no pretende que el alumno lea las imágenes, sino que las comprenda. Promueve que el niño busque su propia información y que la manipule.

Para comprender el mundo de lo visual hay que aprender a crear y a hacer lo visual. Lo importante no es saber dibujar, sino saber utilizar el dibujo.

Este modelo es el modelo más crítico. Aporta a los alumnos autonomía, hace que piensen por sí solos y que busquen maneras de comprender y de explicar la realidad.

Este modelo está presente en muchos trabajos que se pueden hacer con los alumnos, como debatir sobre el poder de las imágenes y la función que cumplen; como plantearles la pregunta de por qué y para qué existen las imágenes, qué fin tienen, etc.

Se puede decir que es el modelo más completo y el más adecuado para seguir, pero sin olvidarnos nunca de los matices que los otros pueden aportar a una clase de Educación Artística.

 

 

 

 

CAPITULO II. EL DIBUJO INFANTIL.

 

 

 

  1. Introducción.

 

     Dibujar, y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños en las escuelas, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, tienen mucha importancia en la Educación Artística.

Algunos hechos que han llamado la atención sobre el dibujo infantil pueden ser: que los niños, antes de cumplir dos años, comienzan a dibujar de forma espontánea y natural; los dibujos presentan unas características propias claramente distintivas, que parecen construir un tipo de “estilo artístico”; la mayoría, son muy llamativos por la espontaneidad, frescura, libertad, armonía y claridad con la que son capaces de resolver los motivos y escenas más complejas;  a medida que los niños crecen sus dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose cada vez más elocuentes y elaborados; al concluir la infancia, a (diez años), el interés, la seguridad, la destreza y la espontaneidad que habían manifestado hasta entonces los niños en sus dibujos y pinturas, se difuminan e incluso desaparecen.

Los dibujos infantiles han construido un poderoso foco de interés para muchos de los principales artistas del siglo XX.

 

  1. Índice temático y objetivos de aprendizaje.

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-         Objetivos de aprendizaje:

·        Reconocer y distinguir las principales características de los dibujos espontáneos infantiles.

·        Relacionar las diferentes teorías e interpretaciones sobre los dibujos infantiles.

·        Interpretar adecuadamente los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos.

·        Valorar las interrelaciones de los enfoques interdisciplinares sobre el arte infantil.

·        Comparar los diferentes enfoques educativos sobre la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

  1. Contenidos.

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3.1          El dibujo y el arte infantil: ¿cómo dibujan las niñas y los niños?

 

No hay dos personas que dibujen de la misma e idéntica manera. Las imágenes que dibujan los niños presentan, en conjunto, unos rasgos y formas características que los distinguen con toda claridad de otros grupos o tipos de imágenes.

En el ámbito escolar, los niños hacen ejercicios siguiendo las indicaciones del profesor, o las pautas que indican sus fichas de trabajo o sus manuales y libros para colorear, que poco o nada tienen  que ver con el dibujo infantil.

El dibujo y el arte infantil lo construyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismos, tal y como ellos mismos son, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a su modo propio de dibujar.

Los estudios e investigaciones se interesaron por determinar cuáles eran los rasgos definitorios y característicos de ese lenguaje visual. Estos rasgos son:

  • El principio de la aplicación múltiple consiste en utilizar una figura simple y representar una gran variedad de objetos o partes del cuerpo humano.
  • El principio de la línea de base. Es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan a sostienen los personajes.
  • El principio de la perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base donde se apoya es perfectamente perpendicular.
  • El principio de la importancia del tamaño. Las figuras humanas tienen que tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
  • El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Para representar un conjunto de elementos similares.
  • El principio del imperativo territorial. En el dibujo infantil es muy raro que aparezcan ocultamientos o superposiciones.
  • El principio del abatimiento. Los elementos eminentemente verticales serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales aparecerán “a vista de pájaro”.
  • El principio de simultaneidad. Cada parte de la figura se dibujará de acuerdo con el punto de vista que más se aproxime a esa parte.
  • El principio de visión de RAYOS X, con el que se dibuja todo los que sea necesario describir explícitamente en la imagen.

 

3.2. ¿Qué dibujan las niñas y niños? Trazos y figuras más frecuentes en el dibujo espontáneo infantil.

Durante los primeros años, poco después de haber cumplido un año, hasta que cumplen tres o cuatro años, cuando comienzan a ser claramente reconocibles las figuras que han dibujado, aparece un amplio conjunto de marcas, trazos, o garabatos.

 

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Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos que es posible distinguir o reconocer en los dibujos infantiles.

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Después de la figura humana, el sol es la figura más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes y las flores aparecen junto a las personas y el sol, también muy frecuentemente.

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3.3. ¿Cómo cambian con las edades los dibujos infantiles?

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. En los dibujos de los más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de 6 o 7 años cada línea y cada color está representando siempre algún elemento o detalle.

  • · Los estudios evolutivos durante los años finales del siglo XIX  y primera mitad del siglo XX. Jame Sully distinguía tres fases: el garabato como juego, el dibujo de figura humana y adquisición de una técnica. Hernán Lukens propuso cuatro etapas: los niños se interesa por el resultado de su gesto, el niño se interesa por el resultado de su dibujo, nace un sentido crítico y el niño consigue valores expresivos en su dibujo.  En 1921, C. Burt, propuso una clasificación en siete etapas o periodos, algunos de ellos subdivididos, a su vez, en varias secuencias:

 1. Garabateo (2-3 años)

2. Línea (4 años)

3. Simbolismo descriptivo (5-6 años)

4. Realismo (7-9/10 años)

5. Realismo Visual (10-11 años)

6. Represión (11-14 años)

7. Renacimiento artístico (después de los 14 años

 

- La clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld

 Justo en los años centrales del siglo XX, Viktor Lowenfeld, publicó la clasificación de etapas del desarrollo del dibujo infantil. Lowenfeld articuló seis etapas o períodos en el desarrollo del dibujo espontáneo infantil. 

1. Garabateo (2-4 años)

2. Preesquemática (4-7)

3. Esquemática (7-9 años)

4. Principio del realismo (9-11 años)

5. Seudorrealista (11-13 años)

6. Decisión (13-17 años)

- El dibujo y el arte infantil

 La mayoría de los dibujos infantiles no son representaciones de escenas estáticas, sino que constituyen narraciones gráficas de acontecimientos complejos, tales como batallas, fiestas, juegos, etc.

Duncum ha propuesto un esquema de diez tipos o categorías para clasificar las formas o estrategias narrativas que utilizan las niñas y niños en sus dibujos espontáneos, que son las siguientes:

·        Acción Narrativa: Los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o secuencia de acontecimientos.

·        Acción Física: Esta es una categoría problemática que necesitas mayor estudio y análisis, tal y como el propio investigador reconoce. Se trata de dibujos que forman parte de una acción o juego más amplio, que puede haber sido originado por el propio dibujo.

·        Superposición: Aspectos sucesivos de la acción se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo. El ejemplo típico es el de los dibujos de batallas de los niños que normalmente acaban en una explosión.

·        Repetición: En estos dibujos hay partes de la escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo.

·        Yuxtaposición: El personaje o elemento principal de la acción se dibuja una sola vez.

·        Evento Gráfico: Consiste en escenas en las que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.

·        Evento Secuencia: La escena dibujada corresponde a un momento de una secuencia más amplia.

·        Evento Simultáneo: En un solo dibujo aparecen claramente múltiples eventos, que están relacionados en el espacio pero que no se desarrollan en el tiempo.

·        Objetos Separados: En este caso toda una secuencia narrativa se halla representada por un solo elemento, figura o personaje.

·        Tira de Cómic: Esta modalidad corresponde a la estrategia habitual de los tebeos en los que la historia se narra a través de sucesivas viñetas.

 

PROPUESTA DIDACTICA TEMA 6

Escrito por lourdesgh 02-07-2009 en General. Comentarios (0)

PROPUESTA DIDÁCTICA

 

 

Mi propuesta didáctica estará dirigida a alumnos de tercer ciclo de primaria, es decir, alumnos de 5º y 6º curso. He creído conveniente estos cursos porque en estas edades, los niños ya son muy capaces entender las distintas explicaciones que podamos darles del conocimiento complejo.

El objetivo principal de este tema sería hacer ver a los niños que no hay un conocimiento o una opinión absoluta, que cada persona tiene una manera de ver las cosas y que cada una de ellas es válida.

Para que los alumnos lleguen a entender bien esto, se podría realizar una actividad en la que el maestro les muestra a los alumnos una serie de dibujos que juntos forman una historia. Esta historia no tiene final. Los alumnos, a partir de la historia contada, que puede tener diversas maneras de entenderla, deberán inventarse un final añadiendo al cuento tres o cuatro viñetas más.

Una vez que todos hayan finalizado sus viñetas, cada alumno contará su propio final. Ellos mismos se irán dando cuenta que cada historia termina de una manera diferente, como cada uno de ellos ha querido, pero entendiendo que cada una de estas tiene el mismo valor que la suya.

El profesor tiene que guiar en todo momento a los alumnos, dejando que cada uno de ellos cree su propio final sin miedos. Hay que hacerles ver a los niños que cada uno de nosotros tenemos opiniones y puntos de vista diferentes, tanto en las cosas menos importantes, como puede ser esta actividad, como en cosas que nos influyen en nuestra vida y en nuestra construcción de la personalidad. Además de esto, el profesor tiene que dar la suficiente confianza a los niños para que no se cohíban en el momento de expresar lo que ellos piensen. Tiene que saber ganarse a los niños para que ellos confíen en este y sepan que su opinión vale lo mismo que la de cualquier otro miembro de la clase, tanto si hablamos de los alumnos, como del propio profesor.

Esta actividad es una forma muy fácil de empezar a enseñarle los valores de igualdad y respeto hacia sus compañeros. Una vez empezado el tema y una vez que los niños sepan cómo vamos a tratarlo, se irá profundizando y complejizando cada vez más el contenido.

TEMA 6A, 6B Y 6C.

Escrito por lourdesgh 02-07-2009 en General. Comentarios (0)

 

 

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Tema 6a: conocimiento complejo.

 

Para comprender mejor este tema, hicimos un pequeño debate sobre el significado de Cristo en nuestra cultura a partir de una imagen de él.

 

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 Después de ver algunos puntos importantes de este tema, como puede ser el que a partir de Cristo nos han enseñado que después de la muerte hay otra vida, la “vida eterna”, sacamos como conclusión que decimos lo que nos han enseñado, no lo que vemos. Hay que aprender a mirar lo que tenemos delante y saber hablar sobre eso, no sobre la historia que nos han contado.

Y, ¿todo esto tiene que ver con la cultura de hoy? Para los que creen en Dios sí, ya que ellos ven la muerte como un camino hacia la otra vida, puede decirse que viven con la tranquilidad de la vida eterna. Tampoco sé muy bien si considerar que viven con esa tranquilidad, yo personalmente no creo en eso y la verdad que vivo tranquila, tengo mi vida, la aprovecho y la muerte significa el final de ella y ya está.

 

Este tema es un ejemplo de conocimiento complejo, ya que se puede decir que a partir de él hemos hablado de varias cosas, como la identidad de los creyentes, de los no creyentes, etc. este conocimiento también nos da la oportunidad de aprender, de conocer pensamientos diferentes y compararlos con los de uno mismo, ya que hay mucha diversidad de pensamiento que puede variar según la cantidad de información de cada uno, su cultura, su raza, etc.

 

Uno de los temas importantes es saber qué o quién está detrás de lo que vemos, de lo que escuchamos, etc.

Muchas veces, nosotros tenemos una idea concreta de algún tema porque nos lo han enseñado así en la escuela, pero hay que tener en cuenta que esta se rige por un currículo donde los contendidos son seleccionados por unas determinadas personas.

Esto no quiere decir que en todas las escuelas y todos los maestros se rijan al pie de la letra por todo lo que dice el libro, también hay excepciones que cuentan con su opinión y las opiniones de los demás alumnos, pero siempre hay que saber con seguridad de dónde viene todo lo que nos están enseñando y siempre tener una opinión crítica sobre ello.

Además de esto, hay que huir de “las interpretaciones correctas”, ya que en muchos aspectos no sólo hay UNA interpretación correcta, si no que de una misma cosa se pueden sacar muchísimas interpretaciones. En la misma clase, de un mismo tema, cada alumno puede tener un pensamiento distinto sobre él.

Un ejemplo de materia con posibilidad de muchas interpretaciones es el arte. Un cuadro, por ejemplo, tiene numerosas interpretaciones que van a depender de los gustos de la persona, de sus conocimientos, etc. y todas ellas pueden ser correctas dentro de un contexto. La clave de ello es fundamentar nuestra opinión.

Con esto nos daremos cuenta de que existen interpretaciones que ni podamos imaginar, ya que como he dicho antes, para una gran cantidad de cosas hay interpretaciones muy diferentes.

Lo que se suponen que enseñan en la escuela es considerar correctas o incorrectas determinadas actitudes, pensar de una determinada manera y admirar determinadas cosas de un cierto modo. Con este tema, pienso que no hay que generalizar. Como ya dije antes, en algunos casos sí que nos enseñan a pensar de determinada manera y a considerar como buenas determinadas respuestas; pero hay otros casos en los que el profesor es más crítico consigo mismo y con los alumnos. En este caso, el profesor investiga diferentes modos de hacer las cosas, observa otros tipos de comportamientos y escucha a sus alumnos para llegar a entenderlos y para llegar a abrir las puertas de su mente y acoger diferentes ideas sobre una misma cosa. Este es el ideal de profesor, al que yo me quiero parecer, por lo menos, y el que creo que sí que existe.

En la escuela no sólo se enseñan contenidos, sino aptitudes también. El niño tiene que aprender a comprender, a hacer preguntas, a mirar críticamente, a tener un pensamiento divergente, a buscar soluciones por él mismo, y un tipo de profesor como el descrito anteriormente por mí, conseguiría guiar a los niños hacia esa meta, ya que él mismo es una persona así, una persona crítica, con inquietudes y con ganas no sólo de enseñar, si no de aprender enseñando.

 

Por otro lado, tenemos las materias de la escuela. Todas las materias escolares están estructuradas, pero hay algunas donde esta estructura está mal. Por ejemplo, las artes están especialmente mal estructuradas, ya que estas tienen una estructura muy compleja. Lo que se hace en estos casos es utilizar estudios de casos concretos, es decir, se seleccionan temas y se estudian profundamente. A partir de ese estudio, se pueden sacar todos los temas.

Pero para estudiar el arte, como otras materias, hace falta conocer también el contexto, ya que las circunstancias cambian las cosas y las maneras de velas.

El arte tiene un valor cognitivo por ella sola. Este valor cognitivo es lo que atañe al conocimiento y por eso hay que tratarlas en las escuelas.

En las artes vemos que todo está relacionado, comparamos nuestra visión de la realidad con lo que el arte nos proporciona.

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Efland establece cuatro argumentos cognitivos en favor de las artes:

         Argumento de la flexibilidad cognitiva

         Argumento de la integración del conocimiento

         Argumento de la imaginación

         Argumento estético

 

Las Artes y lo Visual abren el conocimiento en muchas direcciones distintas, por eso son motores de aprendizaje muy potentes.

 

 

 

Hace cuarenta años la imaginación se expulsó de las escuelas. Tenemos que retomarla, ya que esta es una herramienta fundamental del ser humano, todo se utiliza con la imaginación. La imaginación se desarrolla creando cosas y eso es lo que tenemos que fomentar en la escuela.

 

Los seres humanos quieren convertir el mundo en un mundo donde las apariencias son lo más importante. Quieren convertir el mundo en un mundo estético.

La estética mueve muchas cosas, pero hay que aprender tanto a disfrutarla como a criticarla.

Tenemos que enseñarle a los niños a entender que no todo son las apariencias y que hay más allá de ello. Sobre todo en las niñas, cada vez en edades más tempranas se ven preocupadas por su aspecto y por aparentar más mayor de lo que son. Hay que abrirle los ojos y hacerles ver que hay que pasar por distintas épocas y que cada una de ellas es importante, no hay que tener prisa por ser algo que todavía no te corresponde.

 

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Por otro lado, hay que enseñarles lo que es la estética con respecto al arte. Las obras de arte son los motores del aprendizaje. Hay que trabajar globalmente las artes y lo visual, ya que el objetivo del arte es comprender el mundo en el que habitamos.

 

Para guiar bien a los niños en su vida, hay que trabajar con ellos para que aprendan a cuestionar las cosas, a complejizarlas, que no se dejen llevar por lo que otros digan y que construyan su propio pensamiento crítico. Nuestro objetivo final es que entiendan el mundo y que se entiendan a ellos mismos.

 

 

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Tema 6b: Algunas claves para comprender lo visual: tipos de imágenes.

 

            Las imágenes son una representación de la realidad, pero no son la realidad. Se pueden parecer más o menos a ella y según su grado de parecido, pueden ser más o menos figurativas. Cuando no se parecen nada a la realidad, se les llaman imágenes abstractas y cuando se parecen muchísimo, se denominan hiperrealismo y mimesis.

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También hay que decir que hay muchos pasos intermedios entre el realismo absoluto y la abstracción.

 

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Según su función, podemos clasificar las imágenes en:

-         Imágenes informativas. Como las científicas, las técnicas, las identificatorias, las codificadas, las simbólicas, las explicativas, etc.

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-         Otros tipos de imágenes como las ornamentales, conmemorativas, publicidad, entretenimiento, pornografía, etc.

 

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-         Imágenes “obras de Arte”. Hay muchas definiciones de estas:

o       Según la técnica: escultura, pintura, etc. eran arte  

o       Según su calidad estética y/o plástica

o       Según la función que cumplían

o       Según la intención de su creador

o       Etc.

 

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Es difícil decidir a qué obras podemos llamar “obras de arte” y a qué obras no, ya que hay obras de arte que son estéticas, otras que no, otras que tienen muchísima técnica detrás, otras que no, otras muy expresivas, etc.

 

El arte, tiene y ha tenido muchos fines: expresar, narrar, investigar, educar, hacer publicidad, recordar, advertir, adornar, etc.

 

Tampoco es necesario saber si un cuadro, una escultura, etc. es arte o no lo es, lo importante es saber observarla, entenderla y disfrutarla tal y como es. Además tiene que ser otro medio de comunicación, ya que a través de ella se pueden expresar muchos sentimientos, actitudes o estados de ánimo.

 

Todas las personas podemos crear. Esto es lo que el maestro debe enseñarle a los alumnos, para que ellos expresen lo que sienten y piensan a través de dibujos, adornos, esquemas, etc.

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Tema 6c: canales de difusión.

 

            Los canales de difusión son los medios por los cuales llegan las imágenes a nosotros. Hay varios tipos:

-         Los “media”, medios de comunicación social, de titularidad pública o privada, como la televisión, Internet, etc.

-         Publicaciones especializadas, como revistas científicas, libros, actas de congresos, etc.

-         Los canales propios del Arte, como las galerías, los museos, etc.

 

Además de esto, cada día se crean  muchísimas imágenes privadas que no son de difusión social o alcanzan una difusión limitada, como: fotografías familiares y  recuerdos; imágenes personales; comunicación privada; etc.

Y por último, también se producen cantidad de imágenes que son producidas sin que lo sepamos, como los escáneres de los trenes o aeropuertos; cámaras de seguridad; etc.

 

La visualización masiva de las imágenes supone a menudo un conflicto ético, especialmente cuando quien aparece en las imágenes no las ha deseado, autorizado o, simplemente, ni sabe que existen.

 

 

Internet es uno de los canales de difusión con más poder. Aquí podemos encontrar imágenes de todo tipo, públicas o privadas, con o sin consentimiento. En Internet se encuentran fotografías de todo lo que una persona quiera encontrar. A través de los buscadores, se pueden acceder a muchísimas imágenes de todo el mundo. También hay imágenes trucadas, que se suben a Internet sin consentimiento de los protagonistas de estas. Puede invadir tu intimidad y además, darle una visión diferente de ti a los que la ven. Pero todo esto, aparte de poder ser un desafío al concepto de “derecho de autor”, esta posibilidad de crear o manipular imágenes, nos permite, tener a nuestra disposición, un canal de difusión de imágenes muy importante.

 

Es importante saber, que la distribución de imágenes está controlada por el poder y las grandes empresas, como el Grupo PRISA o el Grupo PLANETA. Pero es que este control, no es sólo de más imágenes que se difunden, si no también del cine, documentales, dibujos animados, etc.; de los productos que se distribuyen y de sus soportes publicitarios; y hasta de las personas que intervienen en los debates, las entrevistas, etc.

Por esto, siempre hay que tener presente que los contenidos a los que estamos expuestos a través de la televisión, de Internet, etc. no son neutrales, si no que contienen una ideología y proceden de canales que buscan promover sus intereses. Aquí juega un papel muy importante la escuela, ya que ella se tiene que encargar de hacerles ver esto a los niños y transmitirle conocimientos y valores para construir un pensamiento crítico con el que no se dejen llevar por todo lo que vean, sino que se paren a pensar, que analicen lo que estén viendo antes de decir que sí o que no a los contenidos.

 

El arte, tiene una gran variedad de canales de difusión, no sólo el cuadro, la escultura, etc. en sí, si no también la escuela, las academias, los programas de divulgación, las publicaciones especializadas, lobbies grupos, Internet, conferencias, concursos, etc.

ANOTACION

Escrito por lourdesgh 13-05-2009 en General. Comentarios (1)

DE LA PRIMERA PARTE DEL BLOG HE SUBIDO EL TEMA CERO, QUE COMO YA DIJE, LO TENIA HECHO PERO NO SUBIDO...

 

un saludo.

Tema 0

Escrito por lourdesgh 13-05-2009 en General. Comentarios (2)

Lo primero que quiero decir en esta parte del blog es que me tenéis que perdonar por este desorden. Después de haber escrito aquí el tema uno, dos y tres, vuelvo al tema cero. Esto es debido a que cuando empecé a hacer el blog, no me di cuenta de la importancia de este tema.

Bueno, ya explicada esta confusión, empecemos a escribir el tema cero.

Este tema, recuerdo que lo empezamos a ver el segundo día de clase. El profesor, antes de nada nos dijo que cogiéramos un folio y apuntáramos las asignaturas que creyéramos que los niños de primaria deberían dar. Escribimos prácticamente las asignaturas que se dan en la escuela, como matemáticas, lengua, inglés, etc. sin ponernos a pensar qué asignaturas harían falta en realidad como podría ser la economía, pero no una economía simplemente teórica, si no una economía práctica.

Con esta prueba el profesor quería hacernos ver que lo que se da en las escuelas podría ser de otra  manera. Actualmente, los profesores se limitan a dar lo que vienen en los libros de texto, sin darse cuenta de que estos libros solo siguen los intereses de unas pocas empresas privadas. Esto podría cambiar si nosotros, los futuros profesores, nos diéramos cuenta de todo esto e intentáramos hacer las cosas de diferente manera a como se hacen ahora. Y el primer paso para cambiar esto, además de abrir los ojos ante esta realidad, es saber qué queremos enseñar y para qué.

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La segunda “prueba” que nos puso el profesor fue que cada uno dibujáramos una silla.

Cada uno de nosotros, extrañados de esta prueba, dibujamos una silla. El profesor ó a varios compañeros y dibujaron su silla en la pizarra. Cuando observamos lo que habíamos dibujado, nos dimos cuenta de que aunque todos sabíamos qué era una silla y cómo era, cada silla dibujada era de una manera diferente.

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Con esta prueba, el profesor quería que reflexionáramos sobre la subjetividad. Todos sabíamos qué era una silla y sabíamos dibujarla, pero cada uno la dibujó de una manera. Por eso decimos que esto es subjetivo aunque todos partamos de una “base común”.

Temos que tener muy presente que todos no pensamos lo mismo y de la misma forma.

La escuela es muy relativa y

 

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… sin embargo, esta nos quiere enseñar a ser todos iguales y eso...http://lourdesgh.blogspot.es/img/zzz.jpg

 

 


La realidad también es relativa, la de los alumnos puede ser diferente a la nuestra y esto lo tenemos que tener presente, por ejemplo, a la hora de corregir.

·         Al terminar de debatir esta idea, el profesor todavía tenía otra prueba para nosotros. Nos dijo que escribiéramos en otro papel para qué sirve la Educación Artística, para qué nos ha servido a nosotros en la escuela y para qué nos sirve ahora.

Algunas de las respuestas dadas en la clase fueron:

·         A la 1ª pregunta:

o        Crear formas.

o        Expresar sentimientos.

o        Ampliar imaginación y creatividad.

o        Hacer visible la realidad propia.

o        Desarrollar faceta artística.

o        Relajarse.

·         A la 2ª pregunta:

o        Relajarse.

o        Torturarse.

o        Divertirse.

o        Acomplejarse.

o        Nada.

o        Interesarse por la pintura.

o        Jugar.

·         A la 3ª pregunta:

o        No sabe.

o        Más imaginación.

o        Hacer cosas manuales.

o        Intención de los colores.

o        Arte: “no gracias”-> conclusión.

 

Es natural querer pintar.

Vivimos en un mundo donde hay miles de imágenes. Estas imágenes están en todas partes, especialmente en las pantallas.

 

 

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No podemos dejar de ver imágenes por lo que tenemos que aprender a usarlas y comprenderlas y también, a veces, a protegernos de ellas.

 

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Por todo esto, decimos que la información visual es cada vez más importante.

Lo primero que vamos a ver es aprender a mirar ( alfabetismo visual).

Las imágenes a menudo existen para hacernos comprar, para ideologizarnos, manipular nuestras emociones, etc.

 

 

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Además, construimos y vemos el mundo a través de las imágenes.

 

 

 

 

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A causa de las imágenes, nuestra vida es una historia falsificada. Esto se demuestra en los álbumes de fotos por ejemplo, donde sólo hay imágenes de “momentos especiales” de nuestra vida.

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Hay una gran importancia de lo visual en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad.

Tenemos que aprender cómo funciona la estética.

 

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También es muy importante tener la capacidad para construir relatos y argumentos mediante imágenes y recursos visuales. Esto ayudaría a comprender y a concebir el mundo.

Cualquier cosa puede ser creativa. Lo importante es que el niño sea creativo. Las artes visuales son imprescindibles para la cognición.

 

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En definitiva, podemos decir que las imágenes tienen una importancia irrelevante y  al mismo tiempo de de ser un instrumento para la cognición, son un conocimiento instrumental.

 

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