educación artística

BIBLIOGRAFÍA

• - Apuntes de la clase de Educación Artística.
• - Power Pont aportados por el profesor.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 13:06 | Comentarios (3)

CONCLUSIÓN

CONCLUSIÓN.

Para mí, esta asignatura no ha sido como las demás. A parte de que me esperaba otro tipo de clase y de aprendizaje, en las clases de educación artística he aprendido no sólo aspectos fundamentales para yo aplicarlos en mi futuro como maestra, sino también aspectos que me han influido a mí, a mi forma de ser y a mi forma de pensar.

Yo me esperaba una asignatura llena de contenidos teóricos que enseñar, pero me he encontrado con algo muy diferente. Esta asignatura ha hecho que cambie mi manera de ver las cosas. Me ha ayudado a ver más allá de lo que a simple vista se puede percibir. Ha despertado en mí un espíritu más crítico, no sólo con respecto a todo lo que me rodea, si no a mis propias creaciones, a mí. Ha hecho que no me conforme sólo con lo justo, si no que me ha despertado el interés y las ganas de tener algo más.

También me ha hecho ver que la Educación Artística tiene muchos más fines de los que me habían hecho ver en mis años de colegio y de instituto. Para mí la Educación Artística era una asignatura aburrida, en la que sólo importaba que el resultado fuera tal y como ponían en los libros o en los cuadernillos de ejercicios. Pero no es sólo eso, la Educación Artística es un proceso, una manera de aprender poco a poco, de saber corregir tus errores y querer superarse cada día un poco más. Esta asignatura no sólo sirve para aprender qué es la pintura al óleo, por ejemplo, sino aprender qué es lo que quiere expresar su autor, que sentía en ese momento y qué nos quiere transmitir.

Además, he descubierto que trabajando todos y enseñando nuestros trabajos, se puede aprender mucho más que sólo con la opinión del profesor. Entre todos podemos ayudarnos, podemos mejorar juntos.

Además de esto, he aprendido a hacer cosas que nunca había tenido que hacer como un blog o una presentación en movie maker. Que aunque me haya costado trabajo, cuando ya lo veo terminado, me alegro de haberlo intentado, porque las cosas que se hacen con más esfuerzo, son las que más terminas apreciando.

Un Saludo.

 -->Lourdes<--

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:53 | Comentarios (2)

PROPUESTA DIDÁCTICA TEMA 8

PROPUESTA DIDÁCTICA

     El ciclo elegido para analizar los criterios de evaluación es el segundo.

     Estos criterios, referidos a la educación plástica y visual, son:

1. Describir las características de elementos presentes en el entorno y las sensaciones que las obras artísticas provocan.
2. Usar adecuadamente algunos de los términos propios del lenguaje plástico en contextos precisos, intercambios comunicativos, descripción de procesos y argumentaciones.
3. Interpretar el contenido de imágenes y representaciones del espacio presentes en el entorno.
4. Clasificar texturas, formas y colores atendiendo a criterios de similitud o diferencia.
5. Utilizar instrumentos, técnicas y materiales adecuados al producto artístico que se pretende.

     Mediante estos criterios, puede hacerse una perfecta evaluación de los aspectos técnicos de la asignatura. Pienso que también debería haber sitio para lo práctico, lo personal.

A través de los criterios expuestos anteriormente, se puede observar que el DC presenta la Educación Artística como una asignatura meramente técnica. Esto no tiene porque ser así, ya que a través de esta asignatura, además de conocer las distintas texturas, la diversidad de materiales, obras de arte que hay, etc. se puede aprovechar para inculcar a los niños un pensamiento crítico de las cosas, una mente más abierta a cambios y a posibilidades de creación; y para hacer de ellos un “espíritu libre”. Puede ser una asignatura que ayude a los niños a desenvolverse mejor en sus vidas cotidianas, además de hacerles perder el miedo que puedan tener al error, a equivocarse, y a hacer las cosas de una forma única, ya que en esta asignatura, a diferencia de las matemáticas, por ejemplo, hay muchas formas de crear, de imaginar, de expresarse…

    También puede ser un camino hacia el “autoconocimiento” de los mismos alumnos. Les puede ayudar a saber quiénes son y quiénes son las personas, o hasta las acciones, que hacen que el alumno sea como es. A partir de trabajos como el “Yo soy” un alumno puede llegar a conocerse a sí mismo, se da cuenta de lo que le rodea, de lo que hace que sea como es, de lo que lo construye.

    Creo que esta asignatura vale más que para aprender “cuatro” contenidos teóricos. Puede ser una gran herramienta para enseñarles a los alumnos valores como el respeto, la igualdad, el derecho a poder expresarse como uno quiera; y, lo más importante, puede ayudar a los niños a saber quiénes son realmente.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:51 | Comentarios (0)

TEMA 8: LA EVALUACIÓN

Tema 8: La evaluación.

     La evaluación debería ser un proceso en el que los alumnos aprendieran de sus errores y les ayudase mejorar.

Algunos profesores cofunden evaluar con calificar. Estos solo se dedican a ponerle una nota al trabajo de los alumnos, sin explicación de ella ni ayuda para mejorarla. Esto no hace que los alumnos avancen. Ni los alumnos ni el propio profesor, que no se da cuenta de que las cosas pueden ser de distinta manera. La evaluación, al contrario que la calificación, valora el trabajo de los alumnos, tiene margen de error y además permite mejorar, tanto el trabajo de los alumnos, como la propia programación o el proceso de aprendizaje, ya que algunas veces lo que falla no son los alumnos, si no la manera de trabajar del profesor.

     La evaluación se realiza para informar al alumno sobre su rendimiento y sobre sus progresos; también para ayudar al alumno a ser autocrítico, para que el mismo vea, a través de ella, en qué a mejorado y en qué tiene que seguir intentando hacer mejor; y ya, por último, para calificar. La calificación tiene que ser minuciosa y tiene que abarcar muchos datos. Hay que tener cuidado con las calificaciones, ya que estas, influyen mucho en los alumnos. Por todo esto, decimos que la evaluación abarca no sólo el examen final, sino todo el proceso.

     De aquí llegamos al punto en que vemos que no sólo nos sirve una evaluación final, sino que tiene que haber varias evaluaciones diferentes. Estas son:

-         Evaluación inicial. Esta nos sirve para ver en qué nivel se encuentran los alumnos y qué conocimientos previos tienen estos y cuáles son sus errores para poder cambiarlos durante el curso.

-         Evaluación formativa. Se va desarrollando a lo largo de todo el curso. Esta nos sirve para sacar todo lo que el alumno tiene dentro, todos sus conocimientos y destrezas. Esta sirve para ayudar al alumno a mejorar en los aspectos que no están claros y también para corregirnos a nosotros mismos y a los errores que podamos cometer. Nunca servirá para sancionar al alumno, sino para ayudarle y explicarle lo que no sepa.

-         Evaluación sumativa. Esta nos sirve para hacer un balance sobre lo que el niño ha aprendido en todo el curso. Aquí entran en juego todos los aspectos visto durante todo el curso.

     Por otro lado, debemos hacerles ver a los alumnos que aprender no es igual que repetir.

     El examen nunca debería ser sólo comprobar la memoria imitativa, porque ¿de qué sirve aprender algo si no sabes lo que significa?

      Hoy en día la mayoría de los estudiantes sólo se dedican a reproducir lo que un libro, el profesor o los apuntes dicen, no se paran a pensar ni a reflexionar sobre lo que están memorizando, simplemente se lo aprenden así y punto. Los alumnos tienen que aprender a seleccionar bien la información, a leerla y a entenderla para así poder hacer de ella algo propio y más fácil de aprender.

     En una evaluación, lo que NUNCA se puede hacer es evaluar a la persona en vez de a su trabajo. Muchos profesores se dejan guiar por el alumno en cuestión y no se dan cuenta que eso le está perjudicando bastante. Además, hay que tener siempre presente que la evaluación del profesor no es el juicio final, al revés, la evaluación es relativa y cada profesor piensa de una determinada manera y evalúa de una determinada manera. Por otro lado, hay que tener en cuenta que los niños cambian, que lo que no se puede hacer es que si un alumno suspende un trabajo o un examen, no se le puede etiquetar y tener presente siempre que ese niño ya va a suspender el curso. Los niños pueden ir evolucionando y los profesores tienen que estar ahí para ayudarlos a ello.

     La evaluación tampoco la podemos usar para humillar a los alumnos, esto puede crear en el un miedo al error y a decir lo que piensa increíble. Tampoco es bueno que comparemos unos alumnos con otros ya que así pueden crearse complejos de inferioridad y de superioridad y eso no ayuda a los alumnos. Los trabajos de los alumnos hay que evaluarlos con mucha prudencia, además, siempre hay que dejarle claro al niño que si trabaja puede aprobar perfectamente. La misión de la evaluación es informar y dar oportunidades de mejorar y no al contrario.

     Para evaluar hay que tener claros unos criterios de evaluación. Lo primero es saber qué es lo que queremos que el niño aprenda y seguidamente, saber qué vamos a evaluar. Los criterios de la LOE son muy generales, por lo que tenemos que cogerlos y adaptarlos, concretarlos a lo que nosotros estamos pidiendo. De todas formas, los criterios siempre deben ser flexibles, podemos darnos cuenta nosotros mismos de que los criterios que estamos usando no son buenos o son insuficientes y podemos modificarlos.

     Pienso que sean cual sean los criterios de evaluación, los alumnos tienen que estar informados sobre ellos para que ellos sepan siempre lo que se les va a exigir. También tenemos que hacerles ver que hay muchas maneras diferentes de conseguir lo que nosotros les pedimos y que ellos mismos pueden investigar posibilidades distintas de llegar a donde nosotros pretendemos.        

     Esto ayuda al alumno a ser más autónomo, a pensar por sí mismo y a reflexionar sobre lo que se les pide. Sea el camino que sea el que sigan para llegar al conocimiento, tenemos que hacerles ver que lo importante es la calidad. Tenemos que hacer que busquen la calidad, que ellos mismos sean los que no se conformen con cualquier cosa y que valoren el trabajo y el esfuerzo.

     Además de todo esto, nosotros tenemos que tener presente siempre los criterios que hemos escogido y no evaluar por nuestros gustos o prioridades.

     Otro tema relacionado con esto, es saber qué evaluamos. Evaluamos hechos y datos, pero estos no son suficientes, además de tenerlos claros cada dato, hay que saber comprender el conjunto de ellos y saber interpretarlos en una composición. También evaluamos conceptos, estos son difíciles de evaluar, para evaluarlos bien hay que utilizar muchos métodos de evaluación. Nos tiene que quedar claro que los alumnos han creado conceptos correctos a partir de nuestras explicaciones, que han entendido bien las definiciones y que lo han interiorizado correctamente. Los procedimientos son igualmente importantes y difíciles de evaluar, por lo que tenemos que tener claro lo que queremos que los alumnos aprendan para así tener claro lo que evaluamos.

Los objetivos de Educación Artística son muy abiertos, pero muy claros. Por último, también evaluamos actitudes, donde hay aspectos generales como la perseverancia, el interés, el esfuerzo, el compañerismo, la convivencia, etc. pero también hay aspectos concretos. En Educación Artística estas actitudes son por ejemplo la capacidad de análisis y comprensión crítica de la realidad, la actitud investigadora, de búsqueda activa, y la más importante, la creatividad, que no hay que confundirla con la originalidad o la novedad.

     Fundamentalmente hay dos procesos para evaluar:

-         Evaluando mediante instrumentos puntuales: exámenes, cuestionarios, entrevistas, etc.

-         Evaluando mediante instrumentos que recogen un proceso: blog, portafolio, etc.

     Sean cuales sean los instrumentos que utilicemos para la evaluación, es necesario que combinemos instrumentos diferentes, que midan capacidades y aspectos distintos, ya que si utilizamos siempre el mismo, siempre estaremos evaluando la misma parte del aprendizaje y no el proceso entero.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:44 | Comentarios (0)

PROPUESTA DIDÁCTICA TEMA 7

PROPUESTA DIDÁCTICA

     El modelo de enseñanza de Educación Artística que está más presente en el DC, creo que es el “modelo c”, ya que en las escuelas, se puede observar que el único objetivo de la Educación Artística es que el niño sea capaz de aprender contenidos teóricos que sólo sirven para que a los niños deje de gustarle esta asignatura.

     Yo implantaría un modelo más parecido al “modelo d”: E. Artística para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual. Con este modelo los niños aprenderían no sólo contenidos teóricos, sino que comprenderían el por qué son interesantes saberlos. Además, este modelo promueve la investigación, hace que los niños desarrollen su autonomía y hace que se interesen por la asignatura. A través de él, los alumnos cultivarían una opinión personal y crítica de las cosas que le rodean y, en el futuro, serán personas sin prejuicios, personas a las que les guste dar su opinión sin ningún miedo, y además, personas que quieran conocer las distintas opiniones de los demás.

     También daría mucha importancia al trabajo en equipo, no sólo a crear cosas juntos, sino también a incitar el compañerismo, a hacer que los alumnos sientan la necesidad de ayudarse los unos a los otros y así hacerles ver que juntos pueden hacer las cosas mucho mejor, ya que cuentan con diferentes opiniones sobre un mismo trabajo, lo que deja ver más posibilidades de creación. 

     Pienso que a través de este modelo, los alumnos pueden llegar a sentirse muy a gusto en las clases de Educación Artística y se pueden llegar a formar personas maravillosas.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:32 | Comentarios (0)

TEMA 7: MODELOS DE ENSEÑANZA

(Con respecto al esquema, al no verse bien, he creído conveniente grabarselo en un CD para que pueda verlo mejor.) 

Tema 7: Modelos de enseñanza.

            Hay muchos modelos de enseñanza para la Educación Artística. Vamos a exponer las cuatro más comunes. Son diferentes y dan lugar a aprendizajes diferentes.

Antes de exponerlos, hay que decir que la Educación Artística no es ser un genio en el dibujo, es aprender a dibujar.

            Tampoco es hacer trabajos manuales simplemente, ya que también tiene teoría. Si la convertimos en una clase de manualidades, entonces será manual.

        -> Pasemos a explicar los modelos.

• Modelo A. Educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

            Este modelo se puede resumir en “aprender a dibujar y aprender destrezas para ello”.

Surgió en el siglo XVIII. Se aprende a través de copias o con procesos matemáticos. Esto no quiere decir que ahora no se necesite, ya que el dibujo técnico, por ejemplo, es imprescindible hoy en día, pero no para darlo en Primaria.             

Entonces, ¿qué nos interesa de este modelo? Utilizar materiales para que el alumno lleve un proceso adecuado; enseñar a los alumnos a dibujar tradicionalmente, ya que a los alumnos de entre 10 y 12 años tienen interés por ello; y por último, introducir  hábitos de orden en el pensamiento.

Pero claro, este modelo, al ser muy antiguo, también tiene muchos problemas como pueden ser:

-         Está obsoleto. El 99% de las imágenes no se crean dibujando. Hoy en día la mayoría de las imágenes se crean a través del ordenador, de cámaras de fotos, etc. y estos conocimientos hay que introducirlos en las escuelas.

-         El objetivo de la Educación Artística no tiene por qué ser hacer cosas bonitas, lo que tiene que ser es pulcro y bien acabado. Además, lo bonito es muy relativo, para una persona le puede parecer bonita una imagen y para otra resultarle una barbaridad.

• Modelo B. Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

Este modelo surgió en el siglo XX y se basa en la autoexpresión. Tuvo una importancia después de la II Guerra Mundial. De este modelo podemos sacar en positivo que los niños se pueden expresar y pueden reflexionar. Interesa la creatividad. Para expresarse no hay técnicas de dibujo.

Los pintores de esta época van a cambiar la pintura sin parar.

Este modelo se basa en el mito de Van Gogh y en el descubrimiento del dibujo infantil.

Pero como todos los mitos, este también tiene su parte falsa. Van Gogh era torpe, pero un genio. Tardó muchos años en dibujar bien y tuvo que practicar muchísimo. Con respecto a los dibujos de los niños, estos no son espontáneos, muchas veces sus dibujos son copias de los adultos.

En conclusión, este modelo está basado en falsedades.

No hay ningún interés en que los niños dibujen como niños. Además, si los niños dibujan libre y espontáneamente,¿ para qué sirve el profesor?

Los artistas no nacen, se hacen. Por eso el profesor debe estar ahí para enseñarles a los niños todo lo que deben saber. También hay que decir, que la creatividad no se crea del vacío, sino como solución de algún problema, por lo que el profesor debe estar ahí para plantearle a los alumnos interrogantes para hacerles pensar y reflexionar, ya que todo el mundo tiene creatividad, solo hay que potenciarla.

De este modelo, podemos aprovechar la posibilidad de invitar a los alumnos a ser creativos, expresivos. También podemos enseñarles a los alumnos a narrar, es importante que estos cuenten sus  propias historias. Los niños, en Educación Artística también tienen zona de desarrollo próximo, y con la ayuda de este modelo, podemos descubrir en qué nivel están. Además de todo esto, hay que enseñarles a mirar con atención y a que se acostumbren a familiarizarse con las obras de arte.

• Modelo C. Educación Artística para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual.

            Este modelo plantea que la Educación Artística tiene que ser importante para los alumnos.

El profesor que sigue este modelo, no pretende que el alumno lea las imágenes, sino que las comprenda. Promueve que el niño busque su propia información y que la manipule.

Para comprender el mundo de lo visual hay que aprender a crear y a hacer lo visual. Lo importante no es saber dibujar, sino saber utilizar el dibujo.

Este modelo es el modelo más crítico. Aporta a los alumnos autonomía, hace que piensen por sí solos y que busquen maneras de comprender y de explicar la realidad.

Este modelo está presente en muchos trabajos que se pueden hacer con los alumnos, como debatir sobre el poder de las imágenes y la función que cumplen; como plantearles la pregunta de por qué y para qué existen las imágenes, qué fin tienen, etc.

Se puede decir que es el modelo más completo y el más adecuado para seguir, pero sin olvidarnos nunca de los matices que los otros pueden aportar a una clase de Educación Artística.

CAPITULO II. EL DIBUJO INFANTIL.

1. Introducción.

     Dibujar, y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños en las escuelas, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, tienen mucha importancia en la Educación Artística.

Algunos hechos que han llamado la atención sobre el dibujo infantil pueden ser: que los niños, antes de cumplir dos años, comienzan a dibujar de forma espontánea y natural; los dibujos presentan unas características propias claramente distintivas, que parecen construir un tipo de “estilo artístico”; la mayoría, son muy llamativos por la espontaneidad, frescura, libertad, armonía y claridad con la que son capaces de resolver los motivos y escenas más complejas;  a medida que los niños crecen sus dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose cada vez más elocuentes y elaborados; al concluir la infancia, a (diez años), el interés, la seguridad, la destreza y la espontaneidad que habían manifestado hasta entonces los niños en sus dibujos y pinturas, se difuminan e incluso desaparecen.

Los dibujos infantiles han construido un poderoso foco de interés para muchos de los principales artistas del siglo XX.

2. Índice temático y objetivos de aprendizaje.

-         Objetivos de aprendizaje:

·        Reconocer y distinguir las principales características de los dibujos espontáneos infantiles.

·        Relacionar las diferentes teorías e interpretaciones sobre los dibujos infantiles.

·        Interpretar adecuadamente los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos.

·        Valorar las interrelaciones de los enfoques interdisciplinares sobre el arte infantil.

·        Comparar los diferentes enfoques educativos sobre la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

3. Contenidos.

3.1          El dibujo y el arte infantil: ¿cómo dibujan las niñas y los niños?

No hay dos personas que dibujen de la misma e idéntica manera. Las imágenes que dibujan los niños presentan, en conjunto, unos rasgos y formas características que los distinguen con toda claridad de otros grupos o tipos de imágenes.

En el ámbito escolar, los niños hacen ejercicios siguiendo las indicaciones del profesor, o las pautas que indican sus fichas de trabajo o sus manuales y libros para colorear, que poco o nada tienen  que ver con el dibujo infantil.

El dibujo y el arte infantil lo construyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismos, tal y como ellos mismos son, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a su modo propio de dibujar.

Los estudios e investigaciones se interesaron por determinar cuáles eran los rasgos definitorios y característicos de ese lenguaje visual. Estos rasgos son:

• El principio de la aplicación múltiple consiste en utilizar una figura simple y representar una gran variedad de objetos o partes del cuerpo humano.
• El principio de la línea de base. Es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan a sostienen los personajes.
• El principio de la perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base donde se apoya es perfectamente perpendicular.
• El principio de la importancia del tamaño. Las figuras humanas tienen que tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
• El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Para representar un conjunto de elementos similares.
• El principio del imperativo territorial. En el dibujo infantil es muy raro que aparezcan ocultamientos o superposiciones.
• El principio del abatimiento. Los elementos eminentemente verticales serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales aparecerán “a vista de pájaro”.
• El principio de simultaneidad. Cada parte de la figura se dibujará de acuerdo con el punto de vista que más se aproxime a esa parte.
• El principio de visión de RAYOS X, con el que se dibuja todo los que sea necesario describir explícitamente en la imagen.

3.2. ¿Qué dibujan las niñas y niños? Trazos y figuras más frecuentes en el dibujo espontáneo infantil.

Durante los primeros años, poco después de haber cumplido un año, hasta que cumplen tres o cuatro años, cuando comienzan a ser claramente reconocibles las figuras que han dibujado, aparece un amplio conjunto de marcas, trazos, o garabatos.

Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos que es posible distinguir o reconocer en los dibujos infantiles.

Después de la figura humana, el sol es la figura más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes y las flores aparecen junto a las personas y el sol, también muy frecuentemente.

3.3. ¿Cómo cambian con las edades los dibujos infantiles?

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. En los dibujos de los más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de 6 o 7 años cada línea y cada color está representando siempre algún elemento o detalle.

• · Los estudios evolutivos durante los años finales del siglo XIX  y primera mitad del siglo XX. Jame Sully distinguía tres fases: el garabato como juego, el dibujo de figura humana y adquisición de una técnica. Hernán Lukens propuso cuatro etapas: los niños se interesa por el resultado de su gesto, el niño se interesa por el resultado de su dibujo, nace un sentido crítico y el niño consigue valores expresivos en su dibujo.  En 1921, C. Burt, propuso una clasificación en siete etapas o periodos, algunos de ellos subdivididos, a su vez, en varias secuencias:

 1. Garabateo (2-3 años)

2. Línea (4 años)

3. Simbolismo descriptivo (5-6 años)

4. Realismo (7-9/10 años)

5. Realismo Visual (10-11 años)

6. Represión (11-14 años)

7. Renacimiento artístico (después de los 14 años

- La clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld

 Justo en los años centrales del siglo XX, Viktor Lowenfeld, publicó la clasificación de etapas del desarrollo del dibujo infantil. Lowenfeld articuló seis etapas o períodos en el desarrollo del dibujo espontáneo infantil. 

1. Garabateo (2-4 años)

2. Preesquemática (4-7)

3. Esquemática (7-9 años)

4. Principio del realismo (9-11 años)

5. Seudorrealista (11-13 años)

6. Decisión (13-17 años)

- El dibujo y el arte infantil

 La mayoría de los dibujos infantiles no son representaciones de escenas estáticas, sino que constituyen narraciones gráficas de acontecimientos complejos, tales como batallas, fiestas, juegos, etc.

Duncum ha propuesto un esquema de diez tipos o categorías para clasificar las formas o estrategias narrativas que utilizan las niñas y niños en sus dibujos espontáneos, que son las siguientes:

·        Acción Narrativa: Los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o secuencia de acontecimientos.

·        Acción Física: Esta es una categoría problemática que necesitas mayor estudio y análisis, tal y como el propio investigador reconoce. Se trata de dibujos que forman parte de una acción o juego más amplio, que puede haber sido originado por el propio dibujo.

·        Superposición: Aspectos sucesivos de la acción se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo. El ejemplo típico es el de los dibujos de batallas de los niños que normalmente acaban en una explosión.

·        Repetición: En estos dibujos hay partes de la escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo.

·        Yuxtaposición: El personaje o elemento principal de la acción se dibuja una sola vez.

·        Evento Gráfico: Consiste en escenas en las que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.

·        Evento Secuencia: La escena dibujada corresponde a un momento de una secuencia más amplia.

·        Evento Simultáneo: En un solo dibujo aparecen claramente múltiples eventos, que están relacionados en el espacio pero que no se desarrollan en el tiempo.

·        Objetos Separados: En este caso toda una secuencia narrativa se halla representada por un solo elemento, figura o personaje.

·        Tira de Cómic: Esta modalidad corresponde a la estrategia habitual de los tebeos en los que la historia se narra a través de sucesivas viñetas.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:27 | Comentarios (1)

PROPUESTA DIDACTICA TEMA 6

PROPUESTA DIDÁCTICA

Mi propuesta didáctica estará dirigida a alumnos de tercer ciclo de primaria, es decir, alumnos de 5º y 6º curso. He creído conveniente estos cursos porque en estas edades, los niños ya son muy capaces entender las distintas explicaciones que podamos darles del conocimiento complejo.

El objetivo principal de este tema sería hacer ver a los niños que no hay un conocimiento o una opinión absoluta, que cada persona tiene una manera de ver las cosas y que cada una de ellas es válida.

Para que los alumnos lleguen a entender bien esto, se podría realizar una actividad en la que el maestro les muestra a los alumnos una serie de dibujos que juntos forman una historia. Esta historia no tiene final. Los alumnos, a partir de la historia contada, que puede tener diversas maneras de entenderla, deberán inventarse un final añadiendo al cuento tres o cuatro viñetas más.

Una vez que todos hayan finalizado sus viñetas, cada alumno contará su propio final. Ellos mismos se irán dando cuenta que cada historia termina de una manera diferente, como cada uno de ellos ha querido, pero entendiendo que cada una de estas tiene el mismo valor que la suya.

El profesor tiene que guiar en todo momento a los alumnos, dejando que cada uno de ellos cree su propio final sin miedos. Hay que hacerles ver a los niños que cada uno de nosotros tenemos opiniones y puntos de vista diferentes, tanto en las cosas menos importantes, como puede ser esta actividad, como en cosas que nos influyen en nuestra vida y en nuestra construcción de la personalidad. Además de esto, el profesor tiene que dar la suficiente confianza a los niños para que no se cohíban en el momento de expresar lo que ellos piensen. Tiene que saber ganarse a los niños para que ellos confíen en este y sepan que su opinión vale lo mismo que la de cualquier otro miembro de la clase, tanto si hablamos de los alumnos, como del propio profesor.

Esta actividad es una forma muy fácil de empezar a enseñarle los valores de igualdad y respeto hacia sus compañeros. Una vez empezado el tema y una vez que los niños sepan cómo vamos a tratarlo, se irá profundizando y complejizando cada vez más el contenido.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:13 | Comentarios (0)

TEMA 6A, 6B Y 6C.

Tema 6a: conocimiento complejo.

Para comprender mejor este tema, hicimos un pequeño debate sobre el significado de Cristo en nuestra cultura a partir de una imagen de él.

 Después de ver algunos puntos importantes de este tema, como puede ser el que a partir de Cristo nos han enseñado que después de la muerte hay otra vida, la “vida eterna”, sacamos como conclusión que decimos lo que nos han enseñado, no lo que vemos. Hay que aprender a mirar lo que tenemos delante y saber hablar sobre eso, no sobre la historia que nos han contado.

Y, ¿todo esto tiene que ver con la cultura de hoy? Para los que creen en Dios sí, ya que ellos ven la muerte como un camino hacia la otra vida, puede decirse que viven con la tranquilidad de la vida eterna. Tampoco sé muy bien si considerar que viven con esa tranquilidad, yo personalmente no creo en eso y la verdad que vivo tranquila, tengo mi vida, la aprovecho y la muerte significa el final de ella y ya está.

Este tema es un ejemplo de conocimiento complejo, ya que se puede decir que a partir de él hemos hablado de varias cosas, como la identidad de los creyentes, de los no creyentes, etc. este conocimiento también nos da la oportunidad de aprender, de conocer pensamientos diferentes y compararlos con los de uno mismo, ya que hay mucha diversidad de pensamiento que puede variar según la cantidad de información de cada uno, su cultura, su raza, etc.

Uno de los temas importantes es saber qué o quién está detrás de lo que vemos, de lo que escuchamos, etc.

Muchas veces, nosotros tenemos una idea concreta de algún tema porque nos lo han enseñado así en la escuela, pero hay que tener en cuenta que esta se rige por un currículo donde los contendidos son seleccionados por unas determinadas personas.

Esto no quiere decir que en todas las escuelas y todos los maestros se rijan al pie de la letra por todo lo que dice el libro, también hay excepciones que cuentan con su opinión y las opiniones de los demás alumnos, pero siempre hay que saber con seguridad de dónde viene todo lo que nos están enseñando y siempre tener una opinión crítica sobre ello.

Además de esto, hay que huir de “las interpretaciones correctas”, ya que en muchos aspectos no sólo hay UNA interpretación correcta, si no que de una misma cosa se pueden sacar muchísimas interpretaciones. En la misma clase, de un mismo tema, cada alumno puede tener un pensamiento distinto sobre él.

Un ejemplo de materia con posibilidad de muchas interpretaciones es el arte. Un cuadro, por ejemplo, tiene numerosas interpretaciones que van a depender de los gustos de la persona, de sus conocimientos, etc. y todas ellas pueden ser correctas dentro de un contexto. La clave de ello es fundamentar nuestra opinión.

Con esto nos daremos cuenta de que existen interpretaciones que ni podamos imaginar, ya que como he dicho antes, para una gran cantidad de cosas hay interpretaciones muy diferentes.

Lo que se suponen que enseñan en la escuela es considerar correctas o incorrectas determinadas actitudes, pensar de una determinada manera y admirar determinadas cosas de un cierto modo. Con este tema, pienso que no hay que generalizar. Como ya dije antes, en algunos casos sí que nos enseñan a pensar de determinada manera y a considerar como buenas determinadas respuestas; pero hay otros casos en los que el profesor es más crítico consigo mismo y con los alumnos. En este caso, el profesor investiga diferentes modos de hacer las cosas, observa otros tipos de comportamientos y escucha a sus alumnos para llegar a entenderlos y para llegar a abrir las puertas de su mente y acoger diferentes ideas sobre una misma cosa. Este es el ideal de profesor, al que yo me quiero parecer, por lo menos, y el que creo que sí que existe.

En la escuela no sólo se enseñan contenidos, sino aptitudes también. El niño tiene que aprender a comprender, a hacer preguntas, a mirar críticamente, a tener un pensamiento divergente, a buscar soluciones por él mismo, y un tipo de profesor como el descrito anteriormente por mí, conseguiría guiar a los niños hacia esa meta, ya que él mismo es una persona así, una persona crítica, con inquietudes y con ganas no sólo de enseñar, si no de aprender enseñando.

Por otro lado, tenemos las materias de la escuela. Todas las materias escolares están estructuradas, pero hay algunas donde esta estructura está mal. Por ejemplo, las artes están especialmente mal estructuradas, ya que estas tienen una estructura muy compleja. Lo que se hace en estos casos es utilizar estudios de casos concretos, es decir, se seleccionan temas y se estudian profundamente. A partir de ese estudio, se pueden sacar todos los temas.

Pero para estudiar el arte, como otras materias, hace falta conocer también el contexto, ya que las circunstancias cambian las cosas y las maneras de velas.

El arte tiene un valor cognitivo por ella sola. Este valor cognitivo es lo que atañe al conocimiento y por eso hay que tratarlas en las escuelas.

En las artes vemos que todo está relacionado, comparamos nuestra visión de la realidad con lo que el arte nos proporciona.

Efland establece cuatro argumentos cognitivos en favor de las artes:

•         Argumento de la flexibilidad cognitiva

•         Argumento de la integración del conocimiento

•         Argumento de la imaginación

•         Argumento estético

Las Artes y lo Visual abren el conocimiento en muchas direcciones distintas, por eso son motores de aprendizaje muy potentes.

Hace cuarenta años la imaginación se expulsó de las escuelas. Tenemos que retomarla, ya que esta es una herramienta fundamental del ser humano, todo se utiliza con la imaginación. La imaginación se desarrolla creando cosas y eso es lo que tenemos que fomentar en la escuela.

Los seres humanos quieren convertir el mundo en un mundo donde las apariencias son lo más importante. Quieren convertir el mundo en un mundo estético.

La estética mueve muchas cosas, pero hay que aprender tanto a disfrutarla como a criticarla.

Tenemos que enseñarle a los niños a entender que no todo son las apariencias y que hay más allá de ello. Sobre todo en las niñas, cada vez en edades más tempranas se ven preocupadas por su aspecto y por aparentar más mayor de lo que son. Hay que abrirle los ojos y hacerles ver que hay que pasar por distintas épocas y que cada una de ellas es importante, no hay que tener prisa por ser algo que todavía no te corresponde.

Por otro lado, hay que enseñarles lo que es la estética con respecto al arte. Las obras de arte son los motores del aprendizaje. Hay que trabajar globalmente las artes y lo visual, ya que el objetivo del arte es comprender el mundo en el que habitamos.

Para guiar bien a los niños en su vida, hay que trabajar con ellos para que aprendan a cuestionar las cosas, a complejizarlas, que no se dejen llevar por lo que otros digan y que construyan su propio pensamiento crítico. Nuestro objetivo final es que entiendan el mundo y que se entiendan a ellos mismos.

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Tema 6b: Algunas claves para comprender lo visual: tipos de imágenes.

            Las imágenes son una representación de la realidad, pero no son la realidad. Se pueden parecer más o menos a ella y según su grado de parecido, pueden ser más o menos figurativas. Cuando no se parecen nada a la realidad, se les llaman imágenes abstractas y cuando se parecen muchísimo, se denominan hiperrealismo y mimesis.

También hay que decir que hay muchos pasos intermedios entre el realismo absoluto y la abstracción.

Según su función, podemos clasificar las imágenes en:

-         Imágenes informativas. Como las científicas, las técnicas, las identificatorias, las codificadas, las simbólicas, las explicativas, etc.

-         Otros tipos de imágenes como las ornamentales, conmemorativas, publicidad, entretenimiento, pornografía, etc.

-         Imágenes “obras de Arte”. Hay muchas definiciones de estas:

o       Según la técnica: escultura, pintura, etc. eran arte  

o       Según su calidad estética y/o plástica

o       Según la función que cumplían

o       Según la intención de su creador

o       Etc.

Es difícil decidir a qué obras podemos llamar “obras de arte” y a qué obras no, ya que hay obras de arte que son estéticas, otras que no, otras que tienen muchísima técnica detrás, otras que no, otras muy expresivas, etc.

El arte, tiene y ha tenido muchos fines: expresar, narrar, investigar, educar, hacer publicidad, recordar, advertir, adornar, etc.

Tampoco es necesario saber si un cuadro, una escultura, etc. es arte o no lo es, lo importante es saber observarla, entenderla y disfrutarla tal y como es. Además tiene que ser otro medio de comunicación, ya que a través de ella se pueden expresar muchos sentimientos, actitudes o estados de ánimo.

Todas las personas podemos crear. Esto es lo que el maestro debe enseñarle a los alumnos, para que ellos expresen lo que sienten y piensan a través de dibujos, adornos, esquemas, etc.

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Tema 6c: canales de difusión.

            Los canales de difusión son los medios por los cuales llegan las imágenes a nosotros. Hay varios tipos:

-         Los “media”, medios de comunicación social, de titularidad pública o privada, como la televisión, Internet, etc.

-         Publicaciones especializadas, como revistas científicas, libros, actas de congresos, etc.

-         Los canales propios del Arte, como las galerías, los museos, etc.

Además de esto, cada día se crean  muchísimas imágenes privadas que no son de difusión social o alcanzan una difusión limitada, como: fotografías familiares y  recuerdos; imágenes personales; comunicación privada; etc.

Y por último, también se producen cantidad de imágenes que son producidas sin que lo sepamos, como los escáneres de los trenes o aeropuertos; cámaras de seguridad; etc.

La visualización masiva de las imágenes supone a menudo un conflicto ético, especialmente cuando quien aparece en las imágenes no las ha deseado, autorizado o, simplemente, ni sabe que existen.

Internet es uno de los canales de difusión con más poder. Aquí podemos encontrar imágenes de todo tipo, públicas o privadas, con o sin consentimiento. En Internet se encuentran fotografías de todo lo que una persona quiera encontrar. A través de los buscadores, se pueden acceder a muchísimas imágenes de todo el mundo. También hay imágenes trucadas, que se suben a Internet sin consentimiento de los protagonistas de estas. Puede invadir tu intimidad y además, darle una visión diferente de ti a los que la ven. Pero todo esto, aparte de poder ser un desafío al concepto de “derecho de autor”, esta posibilidad de crear o manipular imágenes, nos permite, tener a nuestra disposición, un canal de difusión de imágenes muy importante.

Es importante saber, que la distribución de imágenes está controlada por el poder y las grandes empresas, como el Grupo PRISA o el Grupo PLANETA. Pero es que este control, no es sólo de más imágenes que se difunden, si no también del cine, documentales, dibujos animados, etc.; de los productos que se distribuyen y de sus soportes publicitarios; y hasta de las personas que intervienen en los debates, las entrevistas, etc.

Por esto, siempre hay que tener presente que los contenidos a los que estamos expuestos a través de la televisión, de Internet, etc. no son neutrales, si no que contienen una ideología y proceden de canales que buscan promover sus intereses. Aquí juega un papel muy importante la escuela, ya que ella se tiene que encargar de hacerles ver esto a los niños y transmitirle conocimientos y valores para construir un pensamiento crítico con el que no se dejen llevar por todo lo que vean, sino que se paren a pensar, que analicen lo que estén viendo antes de decir que sí o que no a los contenidos.

El arte, tiene una gran variedad de canales de difusión, no sólo el cuadro, la escultura, etc. en sí, si no también la escuela, las academias, los programas de divulgación, las publicaciones especializadas, lobbies grupos, Internet, conferencias, concursos, etc.

Escrito por lourdesgh el 02/07/2009 12:11 | Comentarios (0)

ANOTACION

DE LA PRIMERA PARTE DEL BLOG HE SUBIDO EL TEMA CERO, QUE COMO YA DIJE, LO TENIA HECHO PERO NO SUBIDO...

un saludo.

Escrito por lourdesgh el 13/05/2009 17:55 | Comentarios (1)

Tema 0

Lo primero que quiero decir en esta parte del blog es que me tenéis que perdonar por este desorden. Después de haber escrito aquí el tema uno, dos y tres, vuelvo al tema cero. Esto es debido a que cuando empecé a hacer el blog, no me di cuenta de la importancia de este tema.

Bueno, ya explicada esta confusión, empecemos a escribir el tema cero.

Este tema, recuerdo que lo empezamos a ver el segundo día de clase. El profesor, antes de nada nos dijo que cogiéramos un folio y apuntáramos las asignaturas que creyéramos que los niños de primaria deberían dar. Escribimos prácticamente las asignaturas que se dan en la escuela, como matemáticas, lengua, inglés, etc. sin ponernos a pensar qué asignaturas harían falta en realidad como podría ser la economía, pero no una economía simplemente teórica, si no una economía práctica.

Con esta prueba el profesor quería hacernos ver que lo que se da en las escuelas podría ser de otra  manera. Actualmente, los profesores se limitan a dar lo que vienen en los libros de texto, sin darse cuenta de que estos libros solo siguen los intereses de unas pocas empresas privadas. Esto podría cambiar si nosotros, los futuros profesores, nos diéramos cuenta de todo esto e intentáramos hacer las cosas de diferente manera a como se hacen ahora. Y el primer paso para cambiar esto, además de abrir los ojos ante esta realidad, es saber qué queremos enseñar y para qué.

La segunda “prueba” que nos puso el profesor fue que cada uno dibujáramos una silla.

Cada uno de nosotros, extrañados de esta prueba, dibujamos una silla. El profesor ó a varios compañeros y dibujaron su silla en la pizarra. Cuando observamos lo que habíamos dibujado, nos dimos cuenta de que aunque todos sabíamos qué era una silla y cómo era, cada silla dibujada era de una manera diferente.

Con esta prueba, el profesor quería que reflexionáramos sobre la subjetividad. Todos sabíamos qué era una silla y sabíamos dibujarla, pero cada uno la dibujó de una manera. Por eso decimos que esto es subjetivo aunque todos partamos de una “base común”.

Temos que tener muy presente que todos no pensamos lo mismo y de la misma forma.

La escuela es muy relativa y

… sin embargo, esta nos quiere enseñar a ser todos iguales y eso...

La realidad también es relativa, la de los alumnos puede ser diferente a la nuestra y esto lo tenemos que tener presente, por ejemplo, a la hora de corregir.

·         Al terminar de debatir esta idea, el profesor todavía tenía otra prueba para nosotros. Nos dijo que escribiéramos en otro papel para qué sirve la Educación Artística, para qué nos ha servido a nosotros en la escuela y para qué nos sirve ahora.

Algunas de las respuestas dadas en la clase fueron:

·         A la 1ª pregunta:

o        Crear formas.

o        Expresar sentimientos.

o        Ampliar imaginación y creatividad.

o        Hacer visible la realidad propia.

o        Desarrollar faceta artística.

o        Relajarse.

·         A la 2ª pregunta:

o        Relajarse.

o        Torturarse.

o        Divertirse.

o        Acomplejarse.

o        Nada.

o        Interesarse por la pintura.

o        Jugar.

·         A la 3ª pregunta:

o        No sabe.

o        Más imaginación.

o        Hacer cosas manuales.

o        Intención de los colores.

o        Arte: “no gracias”-> conclusión.

Es natural querer pintar.

Vivimos en un mundo donde hay miles de imágenes. Estas imágenes están en todas partes, especialmente en las pantallas.

No podemos dejar de ver imágenes por lo que tenemos que aprender a usarlas y comprenderlas y también, a veces, a protegernos de ellas.

Por todo esto, decimos que la información visual es cada vez más importante.

Lo primero que vamos a ver es aprender a mirar ( alfabetismo visual).

Las imágenes a menudo existen para hacernos comprar, para ideologizarnos, manipular nuestras emociones, etc.

http://es.youtube.com/watch?v=Nb2NguhpepA

Además, construimos y vemos el mundo a través de las imágenes.

A causa de las imágenes, nuestra vida es una historia falsificada. Esto se demuestra en los álbumes de fotos por ejemplo, donde sólo hay imágenes de “momentos especiales” de nuestra vida.

Hay una gran importancia de lo visual en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad.

Tenemos que aprender cómo funciona la estética.

También es muy importante tener la capacidad para construir relatos y argumentos mediante imágenes y recursos visuales. Esto ayudaría a comprender y a concebir el mundo.

Cualquier cosa puede ser creativa. Lo importante es que el niño sea creativo. Las artes visuales son imprescindibles para la cognición.

En definitiva, podemos decir que las imágenes tienen una importancia irrelevante y  al mismo tiempo de de ser un instrumento para la cognición, son un conocimiento instrumental.

Escrito por lourdesgh el 13/05/2009 17:53 | Comentarios (2)

Bibliografía

 Por último, quiero decir que este blog lo he hecho a partir de:

• Apuntes tomados en clase.
• Diapositivas del profesor.
• www.wikipedia.org.
• www.youtube.com
• www.personal.us.es/jcordero/PERCEPCION/Cap01.htm
• http://aula.josepedro.es/course/view.php?id=3

Un Saludo. 

Lourdes.

Escrito por lourdesgh el 10/02/2009 17:15 | Comentarios (0)

Patrimonio Cultural.

Esta será mi última entrada de este cuatrimestre en el blog. En ella, explicaré la actividad realizada en clase de analizar un texto que nuestro profesor nos dio. Este se llama “Miradas y Patrimonio”.

Antes de comenzar, quiero explicar que durante el análisis nos centraremos en el patrimonio cultural. El Patrimonio cultural es el conjunto de todos los bienes, materiales (tangibles) o inmateriales (intangibles), que, por su valor propio, deben ser considerados de interés relevante para a la permanencia de la identidad y la cultura de un pueblo. Es la herencia cultural propia del pasado, con la que un pueblo vive hoy y que transmitimos a las generaciones futuras. Del patrimonio cultural hacen parte bienes inmuebles como fortalezas, castillos, templos, casas, plazas, conjuntos urbanos obras rurales y otros lugares con valor para la historia, la arqueología, la paleontología y la ciencia en general. Los bienes muebles incluyen pinturas, esculturas o artesanías. Como bienes intangibles se consideran la literatura, la música, el folclore, el idioma, las costumbres y especialmente los saberes propios, como el conocimiento de la biodiversidad, la concepción del territorio o la medicina tradicional.

Bueno, pasemos al análisis del texto.

En la primera parte, lo que se quiere dar a entender es que muchas veces cuando no vemos algo, nos lo imaginamos, pero nos lo imaginamos como nosotros pensamos que es o como queremos que sea. Esta “realidad” la construimos nosotros a través de nuestros deseos, de historias que nos han contado, etc. la cosa cambia cuando tenemos ante nosotros lo que durante mucho tiempo hemos pensamos y nos damos podemos dar cuenta que la realidad estaba muy lejos de nuestros pensamientos y deseos.                  

La realidad es compleja y no la debemos simplificar.

La realidad es todo lo que no tiene contacto con nosotros, ya que nosotros, al percibirla, la distorsionamos por medio de nuestros sentidos, convirtiéndola en nuestra realidad. En definitiva, cada persona ve la realidad a su manera.

Podía poner un ejemplo muy claro para apoyar lo dicho anteriormente. Para alguien a quien le interese mucho y entienda de arte, verá Venecia como una oportunidad para llenar más su interés insaciable por la pintura, las esculturas, el arte en general. Pensará en Venecia y se le vendrán a la cabeza miles de imágenes de cuadros de Monet, o sonará en su cabeza melodías de Antonio Vivaldi. Sin embargo, para mi, puede ser una cuidad romántica. Aunque no la he visto, mi imaginario se llena de imágenes de Internet, de las fotografías que me han enseñado, de escenas de películas en las que una pareja da un largo paseo en góndola a la luz de la luna…Puede ser que si tengo la oportunidad de viajar a Venecia todo lo que yo haya construido en mi mente se cambie completamente, pero mientras, mi imaginación me llevará a Venecia como a un lugar romántico y muy tranquilo.

El Patrimonio no existe como patrimonio. Son las leyes las que deciden que es y que no es patrimonio, por lo que son los políticos los que lo deciden. Ellos quieren hacer que nosotros tengamos la misma visión que ellos. Esto no puede ser así, tenemos que tener una mirada crítica hacia las cosas y hay en un futuro, esto habrá que transmitírselo a nuestros alumnos.

¿Por qué..?

La cultura influye mucho en las distintas formas de ver las cosas. Cada pueblo o ciudad se ha criado en una determinada cultura, con unas reglas, unas costumbres y unos ritos diferentes al de otros. El patrimonio acaba siendo parte de nosotros a través de los comentarios de nosotros mismos y de otras personas.

Este patrimonio que termina siendo parte de nosotros, son los restos de una elección. Este patrimonio viene determinado por el producto de la iglesia y del poder. Por lo que ellos son los que han seleccionado el patrimonio actual.

El clase plantearon una cuestión que nos hizo pensar un poco sobre esto explicado. Se refería a las 7 maravillas del mundo. Hace un tiempo, cuando se iban a volver a elegir, en todas las cadenas de televisión te daban la opción de mandar un mensaje votando el monumento que más te gustaba, pudiendo así elegirlo nosotros. Pero, si nos paramos a pensar, no es del todo cierto que las 7 maravillas que salieron finalmente, las hayamos elegido nosotros.

 Nosotros sólo nos hemos limitado a votar una serie de monumentos previamente elegidos. Volvemos al mismo tema de antes. El “patrimonio cultural” nos lo imponen, nos lo dan ya, nos lo eligen.

 Hay seis variables que debemos tener en cuenta cuando analicemos una obra:

• Poliédricas. Una obra tiene muchas caras posibles. Podemos creer que sólo tiene una cara, porque tiene sentido, pero hay que intentar buscar muchas caras, porque si sólo me quedo con una de ellas no veo la completa realidad.

·   Seres sociales.  Hay que enseñarles a los alumnos que la realidad es diferente. Intentando comprender la razón fiable, pero también es muy importante que ellos tengan su propia opinión.

Para el patrimonio cultural es muy importante el contexto histórico. Un ejemplo de ello puede ser la Ley de memoria histórica.

Sus disposiciones fueron las siguientes:

• Juicios sumarios del franquismo: la ley reconoce en su preámbulo el carácter radicalmente injusto de todas las condenas, sanciones y violencia personal [..] durante la Guerra Civil y [..] la Dictadura". Los tribunales franquistas y sus condenas, dictadas por motivos políticos, ideológicos o de creencia [..] contra quienes defendieron la legalidad institucional anterior, pretendieron el restablecimiento de un régimen democrático en España o intentaron vivir conforme a opciones amparadas por derechos y libertades hoy reconocidos por la Constitución, son declarados "ilegítimos". Sin embargo, aunque los juicios no son anulados, el preámbulo de la ley establece que ante las demandas de revisión de juicios, la Justicia no podrá rechazarlas invocando las leyes de la dictadura, definidas como represoras y contrarias a los derechos fundamentales, como ha ocurrido hasta la actualidad.
• Ayudas a los represaliados: las ayudas existentes a las víctimas del franquismo y a sus familias (pensiones, compensaciones financieras) son extendidas. Además, podrán beneficiarse con hasta 135.000 euros las familias de las personas fallecidas en defensa de la democracia entre el 1 de enero de 1968 y el 6 de octubre de 1977.
• Fosas comunes: el Estado ayudará a la localización, identificación y eventual exhumación de las víctimas de la represión franquista cuyos cadáveres se encuentran aún desaparecidos, a menudo enterrados en fosas comunes.
• Símbolos franquistas: la ley establece que los escudos, insignias, placas y otros objetos o menciones conmemorativas de exaltación personal o colectiva del levantamiento militar, de la Guerra Civil y de la represión de la dictadura deberán ser retiradas de los edificios y espacios públicos. La retirada no será de aplicación cuando [..] concurran razones artísticas, arquitectónicas, o artístico-religiosas protegidas por la ley, lo cual podrá aplicar a iglesias.

•  Valle de los Caídos: se regirá por las normas aplicables a lugares de culto y religiosos. Se dispone su despolitización, prohibiéndose los actos de naturaleza política [..] exaltadores de la Guerra Civil, de sus protagonistas, o del franquismo y que la fundación gestora del Valle incluirá entre sus objetivos honrar y rehabilitar la memoria de todas las personas fallecidas a consecuencia de la Guerra Civil de 1936-1939 y de la represión política que le siguió.

• Brigadistas Internacionales: se les concederá la nacionalidad española sin que tengan que renunciar a la propia.
• Hijos y nietos de exiliados: Los hijos y los nietos de los republicanos exiliados bajo la dictadura que perdieron o tuvieron que renunciar a la nacionalidad española podrán obtenerla si lo solicitan entre 2009 y 2011. Esto se aplica aun sin necesidad de que sus progenitores hubieran nacido en España, tal y como ahora exige la ley.
• Centro Documental de la Memoria Histórica: se crea el Centro Documental de la Memoria Histórica en Salamanca, en el que se integrará el Archivo General de la Guerra Civil.

Después de esto, tenemos que pararnos a pensar qué miradas hay sobre el arte . Nosotros admiramos los cuadros porque nos han enseñado así. Entramos en un museo, hacemos como que nos interesa lo que un guía nos está explicando y cuando salimos nos damos cuenta de que la mayoría de la gente no se ha enterado de nada. Esto debería cambiar. Hay que enseñar a los alumnos a relacionarse con los cuadros, a tener una mirada crítica y a no tener miedo a opinar.

La realidad del arte son las relaciones sociales.

·               El sentido de las obras es cambiante. El significado de las obras varía según la cultura. El valor atribuido también varía y este se lo podemos dar o quitar. Las imágenes tienen poder sobre nosotros. Y como ya hemos dicho anteriormente, hay muchas posibilidades de ver el patrimonio.

·               El valor de las obras es inestable. El arte es una batalla de poder de valor inestable. Esto quiere decir que en un momento determinado de la historia, una obra puede costar millones y al cabo de un tiempo no costar nada, o puede significar muchísimas cosas y al cabo del tiempo, para otras generaciones, no tener ningún valor.

Tenemos que tener muy presente qué es lo que queremos para nuestros alumnos, que sean todos unos papagayos, todos iguales, sin tener idea de nada, o vamos a invitarlos a que se relacionen directamente con las imágenes, a que hablen, a que investiguen, a dar su opinión… yo pienso que todo niño se merece esta segunda opción, se merece no tener miedo a opinar y se merece ser escuchado.

·               Las obras son mediadoras. Esto quiere decir que nosotros nunca nos relacionamos con algo directamente, si no que nos relacionamos a través de objetos mediadores. Las imágenes están entre la realidad y nosotros. Esta realidad es parte de la realidad mediadora. Las imágenes son mediadoras porque fijan la realidad y son para siempre.

 Se convierten en referentes, en modelos a seguir, etc.  Estas imágenes construyen nuestra mirada.

Hoy en día, esto puede ser un gran peligro ya que el televisión los niños ven cantidad de imágenes que les pueden influir negativamente. Anuncios, series de televisión y hasta dibujos animados. Un sin fin de posibilidades para que la mente del niño se construya de una manera errónea. Veamos algunos ejemplos.

  Dejo también un enlace que me ha parecido oportuno para hablar de los anuncios.

http://www.youtube.com/watch?v=MddPzRT86rM

¿Qué podría decirse de estos anuncios de televisión? Dan una imagen de la mujer como de un objeto, solo miran a la mujer como sexo. Esto puede ser peligroso para un niño. Con estas imágenes el niño aprende a tomar a las del sexo opuesto como la reflejan en anuncios como estos. Esto puede llegar a hacer que los ellos vean a las niñas y a las mujeres solo como un físico, un exterior, y eso, a medida que va pasando el tiempo, puede ir cada vez a peor. Me hubiera gustado poner también algún anuncio igual que estos pero para mujeres, pero da la casualidad que no hay, ¿será porque las mujeres y las niñas no se dejan influenciar tanto?¿somos más críticas con respecto a ese tema?

Bueno, pasemos a las series de televisión. Un buen ejemplo, Aída. A mi personalmente esa serie me gusta, me hace reír y la veo. Pero creo que para un niño, no es nada recomendable que la vea. Porque ellos toman a los personajes como referencia, como un ejemplo a seguir y no se dan cuenta que la serie lo que nos presenta es un claro ejemplo de lo que no hay que seguir. Familias desestructuradas, malas palabras, gritos, malos modales, y si alguno estudia un poquito, es objeto de burla. Pero esto un niño, ¿se daría cuenta? ¿Podría recapacitar y pensar esto?

Y por último, ya hasta algunos dibujitos pueden hacer mal a los niños…es que no hay que pensar que porque sean dibujitos son para niños. Un ejemplo que me gusta mucho es Padre de familia. La serie en sí es todo un ejemplo para no seguir, pero centrémonos en el bebé. Stewie, el bebé, en todos los episodios hace intentos por matar a la madre, además de insultarla y en alguno que otro, hasta le pega. ¿Esto es adecuado para niños? Pues es lo que muchos de ellos ven en la televisión. Así luego salen esos niños que no tienen respeto hacia nada y van con aires de superioridad.

 http://www.youtube.com/watch?v=pbLt-zHfOxo

http://www.youtube.com/watch?v=mIpO82UcAmQ

Bueno, por último quiero decir que las imágenes son instantáneas y además, si son muy atractivas o muy potentes, como lo que he enseñado antes, no las vamos a olvidar.

Tenemos que enseñar a los niños a ver las imágenes desde otros puntos de vistas, hay que enseñarlos a ser críticos y a no dejarse llevar por las primeras impresiones.

Escrito por lourdesgh el 10/02/2009 17:00 | Comentarios (1)

Tema 5: imagen e identidad

Bueno, este sí es el último tema de teoría que pondré en el blog. Empecemos con él.

Las obras de arte no son algo que se enseña, sino algo del que podemos aprender de ellas. Las imágenes influyen en nuestro imaginario, y por eso nos lleva a ver y a pensar de una determinada manera.

Por ejemplo, cuando nos preguntan: ¿Como crees tú que fue la creación de Adán?

¿Se te viene esto a la cabeza?

O por ejemplo, cuando hablamos del bombardeo de Guernica, ¿se parece esto a lo que imaginas?

¿O más bien se parece a esto?

Con esto nos damos cuenta  de que las imágenes las cambiamos nosotros, nuestro imaginario. Somos menos libres y espontáneos a la hora de pensar y concebir las cosas de lo que pensamos.

Las imágenes son influenciadas en el mismo momento en que son creadas, transformadas… Debemos de destacar que todos nosotros hemos cambiado nuestro modo de ver la vida, de ser, de vestir, de pensar…

 Debemos nombrar la diferencia que hay entre el pensamiento y el modo de actuar de los jóvenes de hoy  y de ayer. Por ejemplo hace  años, las mujeres iban más tapadas que hoy por miedo a ser criticadas.

 La forma de vestir de los hombres también ha cambiado mucho.

La música es otra de las cosas que también ha cambiado. En las discotecas de antes, la música del principio era para bailar por separado, pero llegaba un momento en que esta música cambiaba y pasaba a ser más lenta para dar oportunidad a los jóvenes a acercarse unos con otros y bailar juntos.

Sin embargo, la discoteca de hoy se basa simplemente en bailar música sólo rápida y además puesta muy fuerte, sin dar oportunidad de poder hablar.

La mujer de hoy se puede vestir con las minifaldas sin ser criticadas.

Los hombres también han cambiado su forma de vestir.

Escrito por lourdesgh el 10/02/2009 16:29 | Comentarios (0)

tema 4: por qué existen las imagenes?

¡ÚLTIMO TEMA! Después de tres duros meses ¡he llegado a este tema cuatro! (¡VIVA!).

En este tema vamos a reflexionar sobre porqué existen las imágenes.

Para explicar este tema, en la clase empezamos haciendo una actividad en la que cada uno de nosotros dijimos unas cuantas razones por la que nosotros creíamos que existían. Las respuestas dadas fueron tales como representar la realidad, conocer cosas que no hemos visto, recordar, ayudan a las explicaciones, “una imagen vale más que mil palabras”, aprender de la subjetividad de los demás, distorsionar la realidad, publicidad, inmortalizar el momento, recrear el mundo e interpretar la realidad, etc. En conclusión, las imágenes no nos son indiferentes y nos pueden servir para mil cosas.

Gracias a las imágenes podemos estar informados sobre los hechos que ocurren día a día,

 podemos ver cosas que a simple vista no vemos,

o también podemos “viajar” a sitios donde nunca hemos estado sólo a través de las imágenes.

Las  imágenes cambian nuestra manera de ver, de entender, de pensar… además, a través de las imágenes construimos nuestra visión del mundo y hacemos con ellas que dure toda la vida.

Antiguamente las imágenes eran bienes escasos y se utilizaban exclusivamente para fines concretos.

 Solamente en las grandes ciudades es donde se puede ver con claridad los cambios, en cambio, en las más pequeñas y en las zonas rurales este cambio no existe.

  Barcelona

            -Madrid

También las imágenes privadas de los interiores de las casas eran exclusivas para la clase alta hasta finales del siglo XIX.

 Aunque la mayoría de la población todavía no sabía leer, los libros iban siendo bienes cada vez más populares, ya que gracias a la invención de la imprenta, en los libros aparecerán muchas imágenes realizadas normalmente con técnicas de grabado.

La revolución tecnológica y de los medios de comunicación en los siglos XIX y XX, llevó a la sociedad hacia una sociedad del espectáculo.

 El gran cambio en la producción de imágenes fueron los medios fotográficos y sus derivados.

 La técnica más popular fue el daguerrotipo, utilizada para los retratos.

En 1884, Eastman patenta las primeras películas continuas de fotografía y en 1888 aparece la primera cámara KODAK.

 En poco tiempo, todas las clases sociales podían acceder a tener imágenes.

Se producieron cambios en la imprenta, ello conllevó a una fácil reproducción de las imágenes, dando lugar a la aparición de carteles publicitarios.

 Pasemos ahora a explicar un poco el cine y todas sus cualidades.

Este convierte la vida en un espectáculo, desde que se creó, comenzó a mentir. El cine hace que lo ficticio se pueda convertir en realidad y que rompa las fronteras entre lo real y lo imaginario. Poco tiempo después de que la fotografía se popularizó, el cine se convirtió en el primer gran espectáculo hecho solo con imágenes.

El cine nace a finales del siglo XIX, creado por los hermanos Lumière. Ambos ganaron mucho dinero a costa de este invento. El primer cine fue el mudo, luego sin coro y posteriormente tendríamos el cine de la actualidad.

 Los dibujos animados aparecieron en los años 40 y tendrían un acabado muy bueno ya que el cambio en aquellos años 50 fue espectacular.

El 28 de diciembre de 1895 fue presentada la primera proyección pública usando el invento de los hermanos Lumière.

Fue George Melies quien creo teorías específicas como los efectos especiales. Una de las cosas fundamentales del cine es que convierte la vida en un espectáculo. El cine tenía ese poder. El final del proceso en el cine, hoy en día son los realitys, como Gran Hermano. El cine provoca nuevos modelos de vida:

• Plano contra plano (hablan 2 personas).
• Plano central (desde ambos lados).
• Primer plano, plano medio y plano contrariado.

Cada uno de estos planos tiene un lenguaje específico. El cine lo que quiere es transmitir sentimientos. Las tecnologías están creando imágenes que hoy en día pueden llegar a ser hasta más reales que las propias imágenes.

El cine une muchas relaciones que son nuevas.

Después del cine, vamos a explicar un poco la aparición de la televisión y sus características.

La televisión se inventó en los años 30. La primera retransmisión de TV fue en los Juegos Olímpicos de Berlín que fue llevado a cabo por los nazis. En 1937 Francia y Reino Unido empezaron a retransmitir por TV y en 1948 llegó a España

La televisión ha sido una auténtica revolución en el mundo de la imagen y la comunicación. Se convierte, rápidamente, en el centro de la casa, es decir se le destina un lugar, normalmente el salón, y se invierte dinero en ella; además, cambia la vida familiar puesto que se dedica el tiempo familiar a pasarlo viendo la televisión.

Hoy en día, en televisión hay muchos canales y retransmisiones todos los días y a todas horas, lo que hace que la gente pase más tiempo delante de ella.

 Los niños pasan mucho tiempo viendo la  televisión, mas de dos y de tres horas diarias, en vez de estar jugando, divirtiéndose, estudiando… Por lo tanto la televisión engancha pero no solamente a niños sino que a todas las edades.

  Nosotros mismos pasamos a ser parte del espectáculo. Llegando a la performatividad que tiende a repetir los estereotipos de la televisión en muchas facetas de la vida, como por ejemplo en la manera de vestir, de ver la estética, etc.

Como  futuros maestros tenemos que saber que los niños viven en la sociedad del espectáculo, tenemos que enseñarles a sacar provecho de las imágenes y a sacarles provecho.

La performatividad , como hemos dicho antes, tiene que ver con los estereotipos. Los políticos y las grandes empresas fabrican la opinión de la mayor parte del mundo. Estos tienen el gran objetivo de permanecer.

Y ahora bien, ¿cómo podemos ayudar a nuestros alumnos? Pues la respuesta es sencilla, debemos ayudarlos a conocerlos, a no dejarse llevar por ellos, etc.

Pero, y nosotros, ¿qué papel tenemos en la sociedad del espectáculo?

Vemos la sociedad del espectáculo, pero terminamos siendo parte de ella.

Sentimos o pensamos que somos de una manera u otra.

La trampa de los estereotipos es que el que no va como todos los discriminamos. Se basa en el rechazo y en la discriminación de las personas.

 Hemos convertido nuestra vida en una película. ¿ por qué somos espectadores y actores? Pues porque Internet a cambiado el régimen visual y todo, todo y todo se está poniendo en la red. TODO Y TODOS. 

Simplemente con poner en Google foto, aparecen miles de fotografías de muchísimas personas corrientes.

Y una buena pregunta para reflexionar sobre esto, ¿qué es lo que sale de nosotros en ese espectáculo?

Escrito por lourdesgh el 25/01/2009 17:33 | Comentarios (0)

tema 3, parte 5: otros modos de expresion.

Además de las técnicas ya explicadas, existen otros modos de expresión no basados en la creación de objetos ni imágenes. Por ejemplo:

• Expresión corporal.

• Creación de situaciones: happening, performance, etc.
• Performance significa arte en vivo. El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. Involucra cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público.

·         Land Art significa “arte de la tierra”, que crea las obras actuando directamente en el medio natural. Es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza.

*Pasos habituales en el arte.

       Antes de la obra acabada, el artista sigue algunos pasos que los vamos a explicar a continuación.

-        Utilizan modelos para que le sirvan de referencia antes de acabar la obra.

-        También es frecuente que antes de que se realice la obra definitiva, se hagan bocetos.

-        Además de elaborar uno o más modelos que usaran de referencia para hacer la obra final.

-        Por último, también es muy usual hacer maquetas, fotomontajes y diseños por ordenador.

También se pueden crear las obras sin pasar por ninguno de estos pasos, simplemente puede ser arte como expresión del acto de pintar, como huella o como proceso.

Escrito por lourdesgh el 17/01/2009 15:57 | Comentarios (1)

tema 3, parte 4: tecnicas de imagen fotográfica e infografica

Pasemos ahora a las técnicas de imagen fotográfica e infográfica.

Dentro de las técnicas derivadas de la fotografía y el cine, podemos incluir la misma fotografía y el cine, la televisión, los videos, las animaciones, etc.

Las técnicas infográficas son la generación de imágenes, posiblemente realistas, de escenas virtuales utilizando los gráficos por ordenador. La infografía es un concepto reciente y como tal se emplea en diversos contextos que van desde el diseño gráfico hasta la creación de algoritmos básicos para la representación gráfica por ordenador. 

La cámara oscura es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía.

 El primer daguerrotipo fue construido por Louis Daguerre en 1839, es un invento precursor de la fotografía moderna.

Para una mayor comprensión de esta “cámara fotográfica” explicaré un poco como se captaba la imagen. Se partía de una capa sensible de nitrato de plata extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo se plasmaba en el mercurio. Finalmente, la imagen se fijaba tras sumergir la placa en una solución de cloruro sódico o tiosulfato sódico diluido.

 La primera fotografía fue la vista desde una ventana.

 Una película fotográfica es a lo que nosotros llamamos negativo.

La primera cámara de cine fue creada por los hermanos Lumière. Esta cámara lo que hacía era proyectar una secuencia de imágenes todas seguidas.

Los hermanos Lumière produjeron además una serie de cortometrajes con gran éxito de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: obreros saliendo de una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar y un jardinero regando el césped. Uno de sus cortometrajes más efectistas para demostrar las posibilidades del nuevo invento fue el que mostraba a un tren correo avanzando hacia el espectador, lo que causaba gran impresión en el público asistente.

 Posteriormente aparecieron las cámaras de video y las cámaras de foto digitales.

 Y ya, para terminar con este apartado, nombrar el arte digital que fabrica imágenes, las cubre de luces y sombras y luego de color.

                        Realidad virtual.

Escrito por lourdesgh el 17/01/2009 15:25 | Comentarios (1)

tema 3, parte 3: otras tecnicas tradicionales.

Aunque ya hemos explicado las técnicas y procesos tridimensionales y bidimensionales, hay otras técnicas tradicionales como son las vidrieras, los tejidos, los mosaicos, etc.

Pues bien, empecemos explicando un poco las vidrieras.

Las vidrieras son composiciones decorativas formadas por piezas policromas de vidrio. Alcanzó gran desarrollo con el arte gótico y se relaciona con sus catedrales, aunque también se cultivó en otros estilos y en el arte civil.

Este tipo de proceso se puede imitar muy bien con materiales escolares como el papel celofán y dan muy buen resultado.

Escrito por lourdesgh el 16/01/2009 17:32 | Comentarios (0)

tema 3, parte 2: tecnicas y procesos bidimensionales

Al haber terminado las técnicas y procesos tridimensionales, quiero seguir con las tecnicas y procesos bidimensionales.

Las fundamentales son el dibujo y la pintura.

En el dibujo se emplean los siguientes materiales:

• El carboncillo. Se puede definir como una barra o pieza de madera quemada. Es una de las técnicas más antiguas.

• Sanguina. Esta se saca de una piedra mineral de color rojizo. También es considerada una técnica muy antigua. Pueden tener distintas tonalidades, pero todas en la gama de los rojos.

• Lápices. Aquí podemos encontrar el grafito, que es un material del siglo XVIII y que te deja hacer muchos detalles; los tradicionales lápices de colores, que aunque no lo parezca son una de las técnicas más difíciles: y, por último,  el conte (lápiz compuesto) y otros (de sanguina, pastel, etc.).

• Tintas. Pueden ser tinta china, bistre, sepia, etc. todas son iguales, lo único que varía es el color.

• Pastel. Es una técnica muy fácil y recomendada para utilizarla con los niños en el colegio. Su color es el más perfecto.

• Ceras. Son barras de pigmentos de color y cera u otro material graso.

Antiguamente también se usaba mucho la punta de plata.

Con respecto a la pintura, existen muchos utensilios como pincel, aerógrafo, rodillos, esponjas, espátulas, etc. que te ayudan a pintar.

Las técnicas de la pintura pueden ser:

• Al agua. Donde encontramos la tinta china a pincel, que es como la acuarela; la acuarela; la témpera; y los acrílicos y vinílicos.

La tinta se usa como la acuarela, mezclándola a veces con agua para que salgan tonos más claros.

La acuarela son pigmentos aglutinados con goma arábiga que se disuelven en agua y se aplican sobre papel con pinceles. Cuanta más agua usemos, más claros será los colores.

La témpera tiene una composición parecida a la acuarela, pero además lleva pigmentos blancos que le dan “opacidad”, o sea capacidad de sobreponer colores sobre otros.

El acrílico ya es una técnica contemporánea. Es una técnica muy limpia, magnífica, ideal para trabajar en clase, pero tiene un inconveniente, si te manchas no se quita.

El óleo está compuesto por pigmentos aglutinados con aceite de linaza. No es recomendable utilizarlo en clase porque se disuelve con esencia de trementina (aguarrás). Además, el secado es muy lento.

Seguimos con las técnicas contemporáneas nombrando el temple y el fresco, aunque este último ya no se usa.

Ahora vamos a hacer una pequeña presentación del grabado y la estampación.

El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una imágen dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de alojar tinta en las incisiones, que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela.

Existen varios tipos de grabado como pueden ser:

·         Monotipos y sellos.

• Xilografías.

• Linóleo.

Escrito por lourdesgh el 13/01/2009 18:15 | Comentarios (4)

tema 3, parte 1: tecnicas y procesos tridimensionales

¡Tema nuevo! Este nuevo tema se llama “Técnicas, medios y materiales de creación plástica más usuales”. Aquí trataremos diversos temas sobre la creación de imágenes y objetos y sus distintas maneras de crearlas.

Comencemos diciendo que hay muchas posibilidades distintas de crear. Algunas son muy antiguas, de la prehistoria, a estas las podemos llamar tradicionales o artesanales. Otras han aparecido más recientemente, como todas las técnicas derivadas de la fotografía o de las TIC.

Todas estas técnicas son válidas. No podemos decir que una técnica es mejor que otra.

En este blog voy a nombrar una serie de técnicas, no todas, pero sí algunas importantes.

La primera tiene que ver con la familia del volumen -3D. se llama Técnicas y procesos tridimensionales y está compuesto por:

• Adición. Significa añadir, ir poniendo más. Esto se conoce también como modelado.

Modelar significa, hablando en plata, dar forma a algo que está blandito. Si las piezas que se desean modelar son muy grandes, es conveniente poner armazones, ya que si no se ponen, la figura se caerá.

Las técnicas más habituales de modelado son: Cilindros (también llamados churros),

placas, macizo, manteniendo hueco y técnicas cerámicas como por ej. El torneado. Este último se considera una técnica especial. Esta técnica permite mucha libertad porque podemos poner y quitar lo que queramos en la figura.

Aquí van algunos ejemplos de modelado que me han gustado de Rodín.

La escultura inacabada de Rodín, consigue romper con la escultura tradicional de líneas cerradas, liberándola así de su masa y su volumen, que empiezan a ser autónomos, como el color y las formas empezaban a serlo también en la pintura. Esa es su gran aportación y la puerta que abre hacia el futuro el camino de la modernidad.

      El beso, es tal vez su obra más popular y conocida. De la misma hay otra versión en Londres (Tate Gallery), si bien en ambas se advierten las mismas características que la convirtieron en una de las obras más bellas y más influyentes de su autor.

 El Beso es en realidad una obra que quedó suelta (como El Pensador. Museo Rodín. París 1880-1900), pero que estaba pensada para decorar una enorme puerta que abriría el nuevo Museo de Artes Decorativas de París, lo que él llamó La Puerta del infierno y que no llegaría a culminarse. La propia obra responde a la temática propuesta de tal forma, que representa los amores de Paolo y Francesca, personajes del Infierno de Dante, pieza en la que se inspiraba toda la concepción de la puerta, de ahí su título.

Bueno, y una pregunta que se me plantea, ¿cómo se conservan estas obras?

La respuesta es fácil, dependiendo del material, habrá unas técnicas de conservación u otras: la arcilla, tiene dos técnicas, el secado al aire, que es la más antigua, y la cocción; la cera, el yeso y la escayola mediante el enfriado o el secado al aire; la plastilina, por lo general no endurece, a no ser que se cueza o se le aplique algo parecido; y otros materiales no nombrados aquí naturalmente endurecen al aire.

• Sustracción. Significa quitar.

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción.

Los materiales usados por excelencia son la piedra, como el mármol, la caliza, etc. y la madera. Esta última tiene como desventajas con respecto a la piedra que se deteriora, que se pueden pudrir y que se la pueden comer los xilófagos; aunque también tiene una serie de ventajas como que es más fácil de tallar y que es más barata.

Además de estos materiales, existen otros como el marfil ( sacado de los colmillos de los elefantes), el porex (poliespan, corcho blanco) y otros como el ladrillo. El corcho blanco, nombrado anteriormente, es un material que no pesa por lo que se trabaja y retoca con facilidad.

Pero el material fundamental andaluz es la madera.

Hay dos modos diferentes de construir. Mediante un solo bloque(construcción monolítica) o con más de un bloque pegados(ensamblada). Esto es muy frecuente en la madera.

A veces, también ocurre que dentro de varios bloques hay solo una estructura.

La talla permite muy poca libertad, es prácticamente imposible poder rectificar si te has equivocado.

Hablando de la talla, hay dos tipos:

• Directa. Donde se busca la forma directamente en el material.
• Indirecta o asistida. En este tipo, antes de tallar el material, se hace un modelo en barro y de ahí se copia en la madera, la piedra o el material que sea mediante unas máquinas. Este modelo del que he hablado no tiene por qué ser del mismo tamaño que la escultura terminada.

El procedimiento más utilizado para pasar del modelo al original es el puntómetro. Consiste en marcar encima del modelo los puntos que son importantes. Esos puntos se taladran en el material y de ahí se sacan las referencias para hacer la escultura.

Actualmente esto lo hace una máquina. Las más modernas están asistidas por ordenador.

• Técnicas de construcción. Consiste en pegar piezas que ya existen hasta formar la obra.

El procedimiento más conocido es la soldadura. La soldadura es un proceso de fabricación en donde se realiza la unión de dos materiales.

Escrito por lourdesgh el 10/12/2008 20:44 | Comentarios (5)

Tema 2, parte 4: Sintaxis de la imagen.

Y por fin, llegamos a la cuarta y última parte del tema, donde hablaremos de la sintaxis de la imagen. Esta está compuesta de una serie de características, por así llamarlas:

La composición. Explicada para que todos la entendamos, se podría plantear de la siguiente manera: tengo un montón de cosas y las tengo que poner bien para que quede bonito, ¿cómo se consigue? La respuesta es bien clara, mediante una seria de reglas que las explicaré a continuación.

La ley de la balanza. Esta consiste en poner el mismo peso visual en cada lado de la composición.

Esta balanza se puede equilibrar de dos maneras, mediante una composición simétrica, que suele ser aburrida y solo se utiliza en la arquitectura; y mediante una composición asimétrica, que tiende a ser más dinámica.

Ej. Composición simétrica:

Ej. Composición asimétrica:

En toda composición, pero especialmente en la asimétrica, es preciso además tener en cuenta el distinto peso de cada cuadrante visual. Podemos decir que el cuadrante superior izquierdo y el inferior derecho tienen un peso relativamente potente; que el inferior izquierdo no tiene apenas peso visual; y que el cuadrante superior derecho es el que tiene más peso en una composición.

Además, una composición puede ser estática y sin embargo estar constituida por elementos dinámicos, y viceversa.

Hay otros aspectos en una composición que debemos mostrar. Es frecuente usar composiciones con ritmos internos en diagonal, línea quebrada o líneas curvas cuando queremos más dinamismo. Del mismo modo, es frecuente utilizar composiciones en las que predomina lo horizontal para dar sensación de reposo, de placidez

O la vertical muy exagerada para acentuar la espiritualidad de una obra…

Escrito por lourdesgh el 08/12/2008 21:18 | Comentarios (2)

Tema 2, parte 3: Peso visual.

Empecemos la tercera parte de este estupendo tema.

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento visual para captar la atención del espectador. Cuanto más llama la atención algo, más peso visual tiene.

 Hay una seria de factores que influyen en el peso visual, y son los siguientes: la forma, el tamaño y la cantidad, el color, el contraste, lo excepcional o especialmente atractivo, la situación en el campo visual o gráfico, el ritmo interno y el movimiento. De todo esto, sacamos como conclusión que: lo vertical llama más la atención que lo horizontal; lo más grande se ve más; lo más complejo se ve más que lo más sencillo; los colores cálidos, lo saturado y lo más brillante tiene más peso visual; y lo que tiene más contraste tiene también más peso visual. Pero sobre todo, lo que tiene más peso visual es lo excepcional, lo especialmente atractivo.

Algunos ejemplos de lo citado pueden ser:

Escrito por lourdesgh el 08/12/2008 20:29 | Comentarios (0)

Tema 2, parte 2: El color

La segunda parte del tema va a tratar del color, veremos conceptos como matiz, saturación, brillo, familias del color, etc.

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.

Empecemos por las dimensiones del color.

• El matiz o croma es una de las propiedades del color. Es la cualidad que diferencia a un color de otro. Esto es lo que llamamos normalmente color.

Escrito por lourdesgh el 08/12/2008 20:02 | Comentarios (3)

Tema 2, parte 1: Elementos de la forma.

Por fin empezamos un tema nuevo!

En este tema vamos a tratar diferentes conceptos como el concepto de eje sentido, los planos y figuras, el color, etc. Poco a poco desarrollaremos toda la teoría de la forma más clara y a la vez entretenida.

Bueno, lo primero que vamos a ver son los elementos de la forma. Estos son:

-         Los puntos. Estos se pueden utilizar de formas muy interesantes. Ahí van algunos ejemplos.

-         Lo mismo podemos hacer con las líneas.

La línea puede definirse como una sucesión ininterrumpida de puntos. En tanto más unidos se hallen más concreción proporcionan a la línea.

Hay varios tipos de líneas y cada una tiene sus propias características.

• Las rectas.
• Verticales. Estas líneas expresan acción, tensión y fuerza.

         o       Horizontales. Representan tranquilidad. Expresan equilibrio y calma.

o       Diagonales. Son líneas de movimiento. Expresan originalidad y desequilibrio.

                o        Curvas. Estas líneas representan movimiento, sobre todo la espiral.

 Lo más común en las representaciones visuales es mezclar algunos de estos tipos.

Bien, después de haber explicado los puntos y las líneas, vamos a entrar en lo que es el concepto de eje sentido. Se trata de una línea vertical que tenemos en el subconsciente y que nos permite establecer un equilibrio.

Los ritmos internos son líneas en las cuales podíamos resumir el movimiento y la estructura de una forma.

Además de con lo explicado, ¿de qué otras maneras se podría representar el movimiento? Hay varias formas de representación del movimiento aparte del ritmo interno, como puede ser poniendo en una misma figura varias posturas; con líneas cinéticas, estelas o rastros, que indican de donde viene esa figura y además deja huella de movimiento; deformando las figuras, como por ejemplo inclinándolas; etc.

Ahí van algunos ejemplos de lo dicho anteriormente.

 Ahora vamos a pasar a la explicación de los planos y figuras y su dinámica.

El plano es un espacio geométrico, que sólo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y rectas. Estos pueden ser rectos, curvos o alabeados, o mixtos.

 Las figuras regulares son las siguientes:

-         Cuadrados y rectángulos

-         Triángulos: Equilátero, isósceles, escaleno

-         Círculos, elipses, óvalos, ovoides, etc.

-         Otras: Hexágonos, heptágonos…trapecios, rombos, etc.

 Comencemos explicando la dinámica de las figuras.

• El rectángulo tiene un carácter estático y equilibrado, además de poseer muy poca tensión.

 El rectángulo horizontal es más reposado que el vertical. Esto lo utilizan los pintores para representar una imagen más dinámica o una más reposada.

Del rectángulo debemos nombrar un caso especial, el rectángulo áureo.

El Rectángulo áureo, también denominado rectángulo de oro o rectángulo Φ, es el rectángulo cuyos lados están en razón áurea. Si b y h son los lados, b/h = Φ. Para construirlo a partir de un cuadrado de lado AB, basta con determinar el punto medio M de uno de los lados AB, y trazar, con centro en el punto M, una circunferencia que pase por uno de los vértices C del lado opuesto.

Leonardo da Vinci, en su cuadro de la Gioconda (o Mona Lisa) utilizó rectángulos áureos para plasmar el rostro de Mona Lisa. Se pueden localizar muchos detalles de su rostro, empezando porque el mismo rostro se encuadra en un rectángulo áureo.

 Hoy en día la sección áurea se puede ver en multitud de diseños. El más conocido y difundido sería la medida de las tarjetas de crédito, la cual también sigue dicho patrón, así como nuestro carné de identidad y también en las cajetillas de cigarrillos.

• El cuadrado posee un carácter equilibrado, pero a la vez tiene tensión interna. Al ser los cuatro lados idénticos, se produce tensión visual entre ellos.

• El círculo tiene un carácter muy dinámico. Es una curva cerrada que produce un movimiento sin fin. Pero es equilibrado, pues establecemos rápidamente su eje vertical.

 Los pintores utilizan un formato llamado formato tondo que es considerado símbolo de la perfección.

•  Las curvas cerradas siempre son dinámicas. Su equilibrio va a depender directamente del de sus ejes.

•  Por último, los triángulos. Existen tres tipos de triángulos elementales:              

                 Equilátero. Todos sus lados son iguales.

                  Isósceles. Dos de sus lados son iguales.

Escaleno. Todos sus lados son desiguales.

Los triángulos normalmente son muy dinámicos, sobre todo si no están apoyados.

En general, todos los cuerpos que no se apoyan se vuelven dinámicos menos el círculo.

De todo esto, la conclusión que podemos sacar es que dependiendo de su tipología y de la posición de su eje, las formas nos parecen más o menos dinámicas y equilibradas.

Escrito por lourdesgh el 08/12/2008 18:09 | Comentarios (0)

Tema 1: percibir, mirar, ver. (quinto punto)

Después de haber nombrado todo lo anterior, ahora os voy a hablar de dos objetivos fundamentales para poder contar y crear.

Muchas veces las personas no se atreven a trabajar con Arte por diversos miedos como puede ser el decir que no sabe dibujar, que no tiene  creatividad, que se van a reír de él, etc. Pues bien, el primer objetivo es perder el miedo y saber estar abiertos a todo. Para perder el miedo hay que saber que todo aporta algo valioso: cada mirada es irrepetible y es importante; no temer a las técnicas o al “realismo”: hay muchos arte posibles : siempre podemos repetir lo que sale mal; aprender a ver errores y fallos como oportunidades de hacerlo mejor, no como fracasos o incapacidades, etc.

Es muy importante saber y hacer saber que todo el mundo es creativo por naturaleza. Además, Si podemos, enseñaremos a la persona bloqueada técnicas para desbloquearse, y recorreremos con ella el camino para que entienda por qué se minusvalora.

Una cosa q tener en cuenta es que todos podemos hacer buenas imágenes sabiendo que hay muchas maneras posibles de representación.

Hay tres modos de afrontar la frustración, el primero, nada positivo, hundirse directamente; el segundo, no muy recomendado, defenderse buscando un culpable o autoinculpándote; y el tercero, que lo considero lo mejor, buscar soluciones. Y,¿cómo busco soluciones? Pues las puedo buscar yo mismo o busco a alguien que pueda ayudarme.

El segundo objetivo a tener en cuenta, y muy importante también es aprender a comprender.

Escrito por lourdesgh el 24/11/2008 19:14 | Comentarios (2)

Tema 1: percibir, mirar, ver. (cuarto punto)

En esta ocasión, quiero decir que debemos ir hacia una mirada crítica, creadora, investigadora.

Lo importante del arte no son las formas, si no la manera en que lo vemos.

 Nuestro primer objetivo es aprender a ver, al final, pasaremos de aprender a comprender.

Vamos a intentar ver más y luego saber contarlo.

Escrito por lourdesgh el 24/11/2008 18:55 | Comentarios (0)

Tema 1: percibir, mirar, ver. (tercer punto)

Al explicar todo lo que son capaces de percibir los sentidos y como puede el cerebro interpretar las imágenes, podemos afirmar definitivamente que “ver” es más que percibir a través de los sentidos. Esto también podemos corroborarlo al exponer todos los factores que influyen en la percepción, como son los factores psicológicos sociales, etc.

Estos factores son muy importantes y pueden ser por ejemplo aspectos no conscientes, aspectos culturales, aspectos subjetivos, etc.

Empecemos con los aspectos no conscientes que son:

•          Recorridos de la mirada, como la tendencia a ver antes y mejor lo que está en la esquina superior derecha, lo que está arriba frente a lo que está abajo, etc.

•          Atención a reclamos, por ejemplo, solemos prestar más atención a lo sexual y a las zonas erógenas del cuerpo.

 •          También prestamos mucha atención a lo provocador, a lo insólito, a lo fuera de lugar, etc.

•          Contenidos subliminales. Por ejemplo en estas imágenes se utilizan subliminalmente argumentos de tipo machista y erótico.

  · Factores que adjetivan. Por ejemplo la luz. La luz se utiliza en muchísimas cosas como el cine o los conciertos y nos da mucha información.